LO LLAMAN DEMOCRACIA Y NO LO ES...

Acudimos a un hecho histórico, bueno, a su recreación teatral. ¿Qué cuál es? Pues la gestación de la democracia en 1977, concrétamente el 27 de febrero de ese año. Ese día se reunieron en un chalet Adolfo Suarez y Santiago Carrillo —todavía en el exilio y buscado por la policía— para discutir sobre la legalización del Partido Comunista. Fue una reunión larga que marcó el fin de la dictadura y el paso hacia la democratización del país. Sí, lo sabemos, no es la mejor democracia del mundo, necesita ser revisada y reformada... Pero fue un gran paso en su momento, fue un reto que supimos superar como país. 

Así, Luis Felipe Blasco Vilches, nos presenta un texto en el que no intenta recrear una reunión que no se sabe cómo fue, sino que intenta recrear el espíritu de una época. No se centra en la caracterización de los personajes de forma relista, sino que intenta reflejar como supieron anteponer los intereses particulares y partidistas ante los intereses de un país que hervía en las calles. Se tuvieron que reunir totalmente en secreto, la gente de sus respectivos partidos ni se enteraron hasta que se hizo público. Ese afán de no caracterizar a los personajes puede que sea lo único que se le puede recriminar a la obra, son personas reales que todos conocemos, que sabemos cómo eran, cómo hablaban, y ahí se nos queda un poco floja la obra: no conseguimos meternos del todo en la obra. No digo que las interpretaciones sean malas, todo lo contrario. Los actores lo hacen bien. No digo que el texto sea malo: te lleva donde quiere que vayas. Es simplemente que conocemos demasiado a los personajes reales.

De izquierda a derecha: Jose Manuel Seda, Julio Fraga,

Eduardo Velasco y Luis Felipe Blasco Vilches 

La obra, a pesar de lo dicho, nos gustó mucho y nos incitó al debate, tanto teatral como político y eso ya es mucho viendo otras cosas de la cartelera.

37 años después de la Guerra Civil se produjo ese encuentro, y justo 37 años después de esa reunión    –el estreno oficial se produjo el 27 de febrero– y en esa fecha tan señalada José Manuel Seda –Suarez en la obra– nos contesta a unas preguntas en exclusiva.

-Teniendo en cuenta la situación de la democracia en la actualidad, cómo creéis que va a calar esta obra en el público.

Bueno, ya no hay que hacer muchas conjeturas, porque ya hemos tenido la respuesta del público. El público lo vive con mucha emoción, y aunque dependiendo de la generación a la que pertenezca, la reacción es de más o menos complicidad, pero en todos los casos de gran interés, y sobre todo, destaca la gran actualidad del mensaje que desprende.

-Cuál es el reto que os propone este texto. Cómo os habéis acercado a los personajes.

El reto era hacer teatro de un hecho real, algo no muy habitual en nuestro escenarios, y hacerlo desde el respeto a los personajes, y al interés dramático que una pieza teatral siempre debe tener. No se trata de dar una clase de historia, sino de implicar al espectador en la vida de dos personas, que rodeados de dificultades, y muy alejados en lo ideológico, llegan a entenderse.

«Suarez» y «Carrillo» posaron para nosotros

-Cómo os habéis acercado a él.

Al texto y a los personajes nos hemos ido acercando desde una documentación muy exhaustiva. Luego, a través de los ensayos, y estableciendo la relación y viviendo el conflicto de los personajes, descubriendo la carga que cada uno de ellos llevaba a sus espaldas, ha ido fluyendo hacia lo que ponemos en escena. Pero cada día seguimos descubriendo cosas nuevas sobre el escenario, que encima nos hacen valorar aún más lo que hicieron aquellos dos hombres.

-Para finalizar,  si hubieseis sido testigos de este encuentro, qué les hubierais dicho a los protagonistas.

Poco les habríamos dicho. Seguramente les habríamos preguntado muchas cosas, y les hubiéramos escuchado mucho. José Mario Armero, el anfitrión de El encuentro, y que asistió a aquella conversación por petición de ambos, confesó que él abrió poco la boca, y que se limitó a escuchar y ver cómo se fraguaba una amistad y complicidad, que posteriormente dio lugar a muchos acuerdos.

Apunta: Rubén Sintes

MIRANDO A LA MECA

María Hervas y Arturo Turón frente a la mezquita de Madrid

Un muro, voces que recitan el Corán, una mujer de nombre Jbara detrás del muro nos observa..., nos observa... y calla. Sobrecoje con la mirada, con la poca mirada que intuimos debajo de su atuendo. Sobrecoje y calla... 
El resto, señoras y señores, hay que verlo en el Teatro del Arte. 
Esto en Confesiones a Alá, fuera de las tablas, María, la actriz que antes callaba, nos habla ahora de este impresionante texto. También nos habla de él Arturo Turón, el adaptdor y director de la obra.
¿Cómo surge la idea de adaptar este texto? La idea de adaptar esta obra surge después de leer la novela de Saphia Azzeddine Confesiones a Ala, bueno mas que leer mejor diría mal leer, ya que la primera vez que la tuve en mis manos me enfrente a un texto en francés y mi francés es casi nulo, pero gracias a la ayuda de un compañero, pude realizar un primer borrador de lo que está escrito en la novela, después de unos años guardado en un cajón, lo rescate y por suerte la editorial DemiPage lo había traducido ya y comercializado en España, así que realice un primer tratamiento y comencé a soñar con la posibilidad de que este texto fuese mi debut como director teatral, después llegarían otros proyectos en cine y tv, para llegar otra vez a un nuevo parón. Justo en este parón y después de una conversación con la que hoy es la directora de producción de la obra, Eva Marcelo, nos presentamos en la presentación de la cuarta novela de Saphia en Madrid, la abordamos y en un principio la convenceríamos para que nos dejara mandarle un primer borrador de la adaptación de su novela, después de este primer envió y con la ayuda de David de DemiPage editorial en España de las novelas de Saphia llegaría el sí de la autora y con ese sí de Saphia, llegaría también el sí de la editorial, para terminar así convirtiéndose en nuestros socios y compañeros de viaje.

Arturo Turón

¿Como director y adaptador, cuál es el mayor reto, aparte de la propia historia que narra la protagonista, que te propone esta obra?
Mi reto quizás siempre fue el poder hacer viajar al espectador a través de la vida y de la palabra y mirada de Jbara, que estos fueran de la mano de ella por su historia y por el camino de su vida, y lo que realmente propone la obra o lo que yo quería proponer en esta obra y con este texto era simplemente, poder entender y comprender que da lo mismo tu religión, que da lo mismo de donde vengas, quien seas, ya que finalmente tu vida es tu vida y el camino que elijas o las decisiones que tomes en tu vida simplemente serán eso «tuyas» y de nadie mas, así que llegados a este punto, que cada uno saque sus propias conclusiones pero esta solo es mi visión o mi lectura de Confesiones a Alá. De la vida de Jbara, que entres en su mundo, en su viaje, en su camino, en su vida, en su verdad, pero esto solamente será mi mirada al mundo de Jbara.  
¿Cuáles son las dificultades como actriz, a la hora de enfrentarse a un monólogo como este?
Enfrentarme a un texto tan largo supuso un abismo, no tanto por el trabajo de memorización (que también era un reto) como por el de encontrar la forma más adecuada a todo ese fondo. Temía no poder hacerme cargo de un personaje aparentemente tan distinto a mí, con una realidad casi opuesta a la mía. Además Jbara es un personaje que tiene muchas fases, es casi un triple personaje, y eso, cuando es solo palabras en folios (ya que no tenía referencias de otros montajes anteriores) puede dar pánico.

Cartel de la obra

¿Cuáles son las dificultades como director, a la hora de enfrentarse a un monólogo como este?
La verdad que dificultades muchas, más aún cuando es tu primer texto tanto como adaptador y director teatral. Te pasan mil cosas por la cabeza y después de cada parte escrita te parece que todo esta fatal y que nada tiene sentido y una vez tras otra estas pensando en arrojar la toalla, si a esto le sumas que te enfrentas a un montaje con un solo actor o actriz, dos horas ella sola sobre un escenario, el resultado termina siendo de puro vértigo, pero poco a poco y según va pasando los primeros miedos y vértigos, comienza el lado bueno de las cosas, y terminas disfrutando de todo al máximo y como si fuera la primera y ultima vez, por un lado esta la experiencia de poder trabajar con una persona a la que le dedicaras cada segundo, minuto, y hora, ya que todo el tiempo van dedicados finalmente a ella, y aquí es donde otra vez todo vuelve a surgir de nuevo, vuelven a llegar los vértigos y las angustias, y no dejas de preguntarte a cada segundo, se le olvidara el texto, se le escaparan los personajes, y si le pasa o sucede algo… cada día te preguntabas una cosa diferente, luego según van pasando los días te das cuenta que se va haciendo mas fuerte la obra, y terminas así dándote cuenta que da igual que trabajes con uno, con cuatro, o con 100 actores. Finalmente serán muchos los factores externos o internos los que pueden provocar que esto finalmente no funcione, y la verdad que es mi caso personal, llegar a conectar como conecte con mi actriz desde el primer día de trabajo fue algo mágico y maravilloso, y esto realmente espero que nos dure mucho, mucho tiempo, así que lo único que puedo dar, son las GRACIAS a María Hervas por cada día de trabajo y por cada paso que vamos damos juntos en este proyecto, y continuar dando las GRACIAS a cada uno de los miembros del equipo técnico, por su implicación, trabajo diario, y por creer en este proyecto desde el primer momento en el que me reuní con cada uno de ellos y por meterse totalmente a ciegas en este proyecto confiando siempre plenamente en el desde el primer instante.

María interpreta a Jbara

Esta obra roza casi el teatro documento, ¿creéis que este arte deber cumplir la función de ser testimonio o reflejo de lo social?
–María: Todo acto artístico es reflejo de lo social, puesto está realizado por seres sociales. Como actriz mi trabajo es hablar de la historia concreta y única de un ser humano. En este caso yo intento acercarme lo máximo posible a Jbara, y creo que es el espectador el que a través del documento concreto debe reflexionar sobre una realidad general.
–Arturo:Pienso que el teatro es ese espacio donde puedes encontrar esa cercanía con el espectador, en el que casi puede llegar incluso a ser intima, en el que puedes hablar de frente al publico y sin tapujos, creo que hasta incluso puedes llegar a estar en un cara a cara con él, afortunadamente en este espacio puedes hasta susurrar al oído a aquel que te escucha, y que te mira y observa con interés, así es como puedes llegar a ellos y por lo que me va sucediendo al menos a mí en este montaje siento que sí, que realmente te escuchan, te oyen, te entiendan e inclusive te sienten muy cerca, así que pienso que sí, que esto para mí no tendría ningún sentido si este espacio no lo utilizo para llenarlo de vida y de verdad, mientras exista el teatro, continuara existiendo el espacio perfecto para poder comunicar, y conectar con la gente, para poder hablar o contar lo que sucede, lo que realmente esta pasando, o puede pasar, debido a que lo que contamos en nuestro montaje sucede aquí al lado, y esto le puede suceder a cualquiera, da igual de donde seas por que no solo es una historia de una joven del Atlas, siempre me nacerá esta necesidad de contar algo dotado de realidad y verdad, simplemente trasladar lo que sucede o pasa a mi alrededor, no girarme y también dar la espalda a lo que pasa en mi mundo, siempre sentiré esta necesidad, y poder contar historias similares a estas que estén dotadas de humanidad, de realidad, de verdad, porque realmente esto es lo que sucede a mi alrededor, y es lo que esta pasando en este nuestro mundo.
¿Cómo recibe el espectador Confesiones a Alá?

Arturo Turón

–María: Con mucha entrega. Podría parecer una contradicción, pero la gente recibe la obra con entrega, dejándose llevar a cada uno de los rincones a los que les conducimos y reviviendo con nitidez esta historia tan sobrecogedora. Me sorprende lo reflexivos que les encuentro en la salida y lo agradecidos que están de que les hayamos impulsado a esa reflexión. El ser humano siempre tiene ganas de amar y de ser mejor. Para nosotros es, sin duda, una de las mejores propuestas de la temporada y nosotros lo tenemos muy claro, pero ¿por qué no hay que perderse esta obra? Porque es absolutamente necesaria. A veces pensamos que el mundo termina en nuestro ombligo y eso genera mucha infelicidad y un trastorno terrible de la realidad. Confesiones a Alá habla de la libertad de pensamiento. La real.
¿Qué va a ver el espectador de Confesiones a Alá?
–Arturo: Lo que va a ver el espectador en Confesiones a Ala, es la vida de Jbara, una única actriz durante dos horas sobre un escenario guiándote y conduciéndote por el camino de su vida, por cada una de sus decisiones, caminando junto a ella en cada uno de sus pasos, y transitando por cada uno de los momentos de su vida, y darte cuenta así que no es un camino nada fácil, yo diría mas, que un camino duro y tortuoso, pero al fin y al cabo siempre será su camino. Para mí Confesiones a Alá, es un canto a la libertad, un grito a la esperanza, un susurro a la comprensión, al entendimiento y al crecimiento del ser, una conversación directa con la vida, un canto a la felicidad, al amor y a las ganas de vivir, y un silencio a la no vida.

Pasando un buen rato con María

Arturo, en un momento en el que los teatros apuestan por la comedia, ¿cómo recibe el público un texto de esta profundidad dramática?
Para serte sincero, la verdad es que me estoy sorprendiendo en cada una de las funciones con la reacción del publico, con las sensaciones que percibo durante la representación y las que recibo al terminar, gente que se acerca y te felicita, gente que me da la mano y me da las gracias por haber contado algo así, esta siendo muy gratificante como personas que no conoces de nada te saludan y te quieren estrechar la mano, otros inclusive abrazarte y darte las gracias con gran sinceridad, la verdad que esto me hace pensar que la gente además de reír para así olvidar de lo que sucede últimamente. Ya sea esta crisis económica fomentada por una mala gestión de los que gobiernan en este país y que coqueteamos con ella desde hace mucho tiempo o los problemas con los recortes, o los problemas en sanidad, o quizás en un sistema educativo fallido y erróneo que nos persigue desde hace muchos años, y en realidad en esta triste situación es en la que vivimos y sufrimos últimamente día tras día, por ejemplo en nuestro gremio la subida de este famoso 21% de IVA, que tanto esta asfixiando a exhibidores, productores, creadores y que esta terminando y obligando a muchas empresas a echar el cierre, ya sea en el campo de la TV, del Cine o del Teatro, la verdad es que esta siendo ya como la puntilla o la estocada final, para un sector que creo cientos y cientos de puestos de trabajo, y que poco a poco nos va adentrando al ostracismo absoluto, casi a la desaparición, como bien dijo Miguel de Unamuno «Solo el que sabe es libre, y más libre el que más sabe... Solo la cultura da libertad... No proclaméis la libertad de volar, sino dad alas; no la de pensar, sino dad pensamiento. La libertad que hay que dar al pueblo es la cultura». Así que creo que no todo es siempre reír en un teatro o en el cine, también estas historias son necesarias, ya que te puedan permitir olvidarte de todo lo que sucede a tu alrededor y permitirte así viajar, emocionarte, llorar, sonreír, o incluso pensar detenidamente de lo que sucede y porque estamos en esta situación, la verdad creo que da lo mismo poder sonreír solo por un momento. Y sí lo sé, ya se que la vida siempre es mejor con una sonrisa, pero para ser realistas la vida no es solo una sonrisa, al menos en el mundo en el que yo vivo, ya que todos los días cuando despierto no puedo sonreír, sobre todo con lo que esta sucediendo día tras día a mi alrededor.

Posando para nosotros

Para nosotros es, sin duda, una de las mejores propuestas de la temporada y nosotros lo tenemos muy claro, pero ¿por qué no hay que perderse esta obra?
–Arturo: Pues la verdad pienso y voy a serte sincero, no hay que perderse esta obra, porque es mi primera obra de teatro, porque el espacio donde estamos representando cada función es uno de los lugares mas idóneos para disfrutar quizás de esta obra, al menos en este momento, porque para mí la novela es una de las grandes joyas de los ultimo años y porque la combinación de todos estos elementos y con la ayuda de todo el equipo técnico, de la Asociación Cultural Nada en la Nevera y del equipo del Teatro del Arte y DemiPage, te van hacer pasar dos horas cargadas de amor, de sonrisa, de verdad, de respeto, y por que al fin y al cabo nosotros sin todos vosotros los que leéis esta entrevista, o vais cada día al teatro, o cuando buenamente podéis y os lo permite vuestros ajustados presupuestos, realmente no somos nadie, así que desde aquí y desde este espacio que me estáis cediendo, solo os pido el enorme favor de sacar un par de horas de vuestro valioso y valorado tiempo, para que podáis viajar con nosotros por el mundo de Jbara en Confesiones a Ala

Frente a la Mezquita

María, te felicitamos por la interpretación de Jbara.
¿Con que nos vas a sorprender próximamente?
Seguimos grabando He visto un ángel, una comedia de situación que prepara Tele 5, con Antonio Resines a la cabezas dirigida por el genial Fernando Colomo. Tengo la suerte de tener un personaje cómico (Rebeca) con el que disfruto como una niña. Por otro lado, preparo un monólogo corto, de 15 minutos, que escribiré y me autodirigiré para un festival multicultural que se celebrará por primera vez en enero, en Logroño.

Y tú, Arturo, ¿qué nos preparas?

Pues si todo va bien y me lo permiten ahora estoy empezando a escribir otra obra de teatro, ya que le estoy cogiendo el gustillo al teatro, por ahora el nombre provisional de la obra que estoy escribiendo es Six Mètres, si todo va bien también en este año se podría dar la casualidad o la carambola, si finalmente el destino así lo quiere y me lo permite, también podré debutar como director y coguionista en el cine, con la que sería mi opera prima El Sueño de Luna, co-escrita con mi compañero Jorge Sáenz de Ugarte y producida por Agustí Mezquida (Prodigius Cinema).

Ya lo habéis leído, ahora solo os queda acercaros al Teatro del Arte y disfrutar que una de las obras de la temporada. 

BALAS, TEQUILA Y MUERTE

Nos hemos entrevistado con los actores y el director de Música de balas una obra de Teatro Documento, que ya tuvimos la suerte de ver en la RESAD y que ahora se programa por estos dos «grandes soles» que son Javier y Jorge responsables de El Sol de York. Tanto ellos como los actores de Música apuestan por un teatro que, tal vez, no sea en más comercial, pero que puede que sea uno de los más necesarios.

Hemos hablado con Raúl Rodríguez, el director, y con el resto del equipo Christel Kilbo, Carlos Segura y Quetzalli Cortés. Aquí os dejamos su testimonio.

¿Por qué elegir un texto como Música de Balas?

Porque expone una realidad que requiere ser transformada. El texto de Hugo Salcedo (por el que recibió el Premio Nacional de Dramaturgia mexicana en 2011) expone de manera poética (sin ser panfletario) una situación cruda y dolorosa que no solo afecta a los mexicanos, sino a la humanidad entera. Una humanidad que si no decide cambiar su rumbo, esta expuesta a convertirse en una maquina de guerra.

¿Qué características tiene el llamado Teatro Documento?

El Teatro Documento integra elementos que pertenecen a la realidad, tales como noticieros, testimonios, datos duros, declaraciones, fotografías, documentos, etc. Considero que a través de esta línea de trabajo, se puede generar una denuncia clara, directa y objetiva, sustentada en la propia realidad. Actualmente vivimos en una situación mundial, en la que tenemos muchas cosas que denunciar. Por lo que, el Teatro Documento, se presenta como una alternativa eficaz para generar cambios sociales y desarrollo.

 ¿Qué creéis que recibe el público de esta obra? 
¿Se entiende de manera diferente en México que aquí?

El público que viene a ver Música de Balas recibe información de una realidad que en una primera lectura podría parecer lejana; sin embargo no lo es tanto, debido a que tanto México, como España son víctimas de una corrupción que se ha convertido en cáncer de la sociedad y en una de las causas primordiales de millones de muertes o desahucios (que podría entenderse como otra manera de morir).

En ambos países se gobierna mediante la corrupción: en México se ha unido el estado, las empresas, el narco y los intereses de E.U.A (que no se cansan de invadir y explotar otros territorios). En España la monarquía, el estado y las empresas. Por lo tanto creo que tanto mexicanos, como españoles pueden ver su futuro reflejado en lo que exponemos. De cualquier manera creo que la obra puede entenderse de muchas maneras y que su entendimiento no está relacionado con la nacionalidad del espectador. 

¿Cuál es el mayor reto que os propone la obra?

El mayor reto es hacer que el público se interese por ella, asista  se informe, reflexione y en una situación utópica, genere un cambio desde su trinchera.

El mayor reto es atraer al público de Marta tiene un marcapasos o de El Rey León y generar en él, un espíritu crítico y una mentalidad de cambio.

Cartel

¿Por qué verla?

Porque necesitamos informarnos de nuestro entorno, porque las televisiones,  los medios de comunicación y otros poderes nos están haciendo ciegos y ya es hora de abrir los ojos y mirar al «otro» (que soy yo mismo) a la cara e intentar cambiar nuestra realidad.

Ya los habéis leído. Es un buen momento para empezar a cambiar las cosas, empezando por el teatro.

¡¡¡SESIENTEN, COÑO!!!

Sergio Lombardía, Carles Cuevas, José de Diego y María Rayo

¡Atención! ¡Atención! Solo por estar viendo este reportaje es usted sospechoso de un asesinato. Ponga las manos donde puedan verse e identifíquese ante estos cuatro cuerpos representantes de las fuerzas de seguridad del Estado: un policía nacional (Sergio Lombardía), una guardia civil (María Rayo), un mosso d'escuadra (Carles Cuevas —en esta entrevista—/Nico Romero) y un ertzaintza (José de Diego —en esta entrevista—/Jon Hernández ).

Vídeo de presentación de la obra

Nosotros, que nunca estuvimos tan cerca de tomarnos la justicia por nuestra mano, hemos aprovechado la ocasión para invertir el proceso y les hemos sometido a un interrogatorio para que nos expliquen qué es eso de Que nadie se mueva. Aquí os dejamos los testimonios de los actores y de los responsables del texto y la dirección: Jon Plazaola y Esteban Roel.

Empezamos por estos últimos y les

preguntamos ¿por qué este 

texto?

Jon nos cuenta: «Ahora mismo? Porque es necesario. El público necesita imperiosamente reírse, descojonarse, si se me permite, de todo lo que está aconteciendo en este país. Los bancos, los políticos, los empresarios más poderosos tratan de salvar literalmente su culo, de emprender una huida hacia adelante sin mirar atrás y dejando en el arroyo a un pueblo, a familias enteras a las que han chupado más que la sangre. El panorama no invita al humor, ni mucho menos. Pero ahí estamos nosotros y otros muchos como nosotros, paradójicamente con el humor, el humor crítico y ácido, como herramienta para hacer reír a ese pueblo con un código que les permite acercarse al teatro, entenderlo y a la vez concienciarse  Todo eso pasándolo bien y liberándose del oscuro día a día». A esta misma pregunta Esteban nos contesta en el vídeo.

El autor Jon Plazaola

¿Jon, de dónde surge esta obra?

Esteban y los chicos llevaban tiempo dándole vueltas a una buena idea que consistía en hacer una obra con cuatro fuerzas de seguridad del Estado «involucrados» en un crimen. Empezó siendo una sátira sobre las autonomías, algo que al director le llamaba mucho la atención ya que es mexicano. Yo entré en el proyecto porque vieron la necesidad de meter en el grupo a alguien que tradujera todo esto en papel. En seguida Esteban y yo vimos que ahí había mucha más chicha de la que planteábamos en un comienzo. Después de doce versiones de guion, esto es lo que hay.

¿Es necesario hoy en día un teatro como este?

  

¿Cómo ha sido el salto creativo de escribir guiones cinematográficos a escribir un texto teatral?
Ha sido una sorpresa para mí. Cuando me metí en este proyecto entré con mucha ilusión, pensando que me metía en un terreno inexplorado. La realidad fue que al final, por el vicio que traemos todos los componentes del grupo, que venimos del cine, el proceso, incluso la forma del texto y la obra propia, adquirieron un claro aire cinematográfico. ¡Coño, que hacemos cine en 3D

jajajajaja..., y se llama teatro!

¿Cómo habéis vivido el salto del circuito alternativo al teatro comercial?

El salto nos ha pillado por sorpresa. Un pequeño formato pasado a uno grande. Hay algo muy curioso: ahora la obra se ve más porque al estar en un espacio más pequeño teníamos la posibilidad de intimar con el público más de cerca pero en Galileo hay más distancia y la gente puede detectar más detalles. Lo que sí que es verdad es que si no fuera por Garaje Lumiere muy probablemente esta obra no existiría porque ellos nos dieron la primera oportunidad. El salto del circuito alternativo al comercial nos ha pillado a todos por sorpresa, dice Carles y continúa diciendo que no es muy habitual que pase y por eso tiene que aprovechar al máximo esta semana que les queda en la Galileo.

¿Qué podéis contarnos de vuestros

personajes en Que nadie se mueva?

Definid en pocas palabras esta obra

Marta: Sarcasmo y respeto.

Sergio Lombardía: Atrevida.

José de Diego: Es la actualidad contada sin tapujos.

Esteban Roel: Carcajadas y carcajadas.

Jon Hernández: Canalla y necesaria.

Carles Cuevas: Es una obra muy gamberra pero tiene mucho por dentro.

Ya sabéis si no queréis acabar en busca y captura, o peor aún, detenidos por uno de ellos y que se disputen tu custodia, ir comprando las entradas ya mismo.

UNA CHICA DE ARMAS TOMAR

Noa Díez

Nada hay más bello que luchar por lo que uno cree. Nada más gratificante que conseguirlo, aunque en esta búsqueda uno se encuentre con dificultades. Lo que no te mata te hace más fuerte. 
A este lema y como ejemplo de constancia y entrega se suma Noa Díez, especialista en artes marciales y fundadora de una disciplina con reconocimiento internacional.

Hemos hablado con ella porque, aparte de ser la primera mujer en ostentar el título de Gran Maestro en Artes Marciales, se dedica a formar a actores para escenas de acción, tanto en cine como en teatro. Su disciplina Kihatsu Samurai Dojo se reclama para la gran pantalla hollywoodiense por su alto valor plástico, su espectacularidad y la belleza estética de sus movimientos. Un toque femenino necesario, muy necesario, para un mundo hasta ahora dominado por lo masculino.

Sus comienzos parten de la gimnasia rítmica y nos cuenta que ya con 6 años descubrió las artes marciales. Y sigue: «A los 15 sabía que quería dedicarme a ello. A los 23 fundé mi propia disciplina, mi propia escuela de artes marciales: Kihatsu Samurai Dojo, reconocida a nivel mundial un año después (2005)».

Pero este camino no ha sido tan fácil. A lo largo de su formación se ha encontrado con dos grandes dificultades: «Que soy mujer, y que era muy joven cuando fundé la disciplina y eso, en un principio, me restaba credibilidad. Por suerte —y porque su trabajo lo avala— estas dificultades con el tiempo se han convertido en virtudes, que no pienso cambiar».

En el transcurso de la conversación, indagamos sobre los destinatarios o receptores de estas artes marciales y si su práctica lleva asociada, además del entrenamiento del cuerpo también el desarrollo personal. «Para mí —afirma— es una forma de vida y de expresión». Mientras hablamos de esto Noa hace hincapié en un hecho fundamental que quiere que destaquemos: «Los artistas marciales, no somos agresivos, al contrario. Las artes marciales te cambian la vida».Y nos anima a su práctica porque, según nos cuenta, «las artes marciales benefician a todos: desde niños a personas mayores, hombres y mujeres, da igual el sexo. Las artes marciales ayudan mucho al equilibrio espiritual tanto en lo personal como en el mundo actoral».

Y al hilo de esta reflexión le preguntamos por la otra parte de su trabajo, la faceta dedicada a la formación de actores. Aquí muy prudente y humilde nos contó que había enseñado a grandes nombre del mundo del cine y el teatro, —pero su gran profesionalidad le impidió darnos algunos nombres, que creemos todos tenemos en la cabeza si pensamos en las últimas películas de acción americanas en las que se incluyen coreografías de lucha—. Aun así, no nos resistimos a preguntarle por el proceso de formación actoral y sobre las dificultades con las que se encuentra trabajando con actores que no tiene conocimiento en artes marciales (ver vídeos).

Después de esto, y para acabar la tarde (con un excelente chocolate a la taza) la pregunta obligada acerca de sus trabajos presentes y futuros. Nos cuenta, entusiasmada que imparte master class por toda España para dar a conocer su arte marcial porque su disciplina, curiosamente (y esto parece un rasgo muy propio de nuestra cultura), se conoce más fuera de nuestro país que dentro. Nos comentó, además, que estaba rodando coreografías para varias  películas de acción de Hollywood que se estrenarán en 2014.

¿Y el futuro? «Estamos grabando un documental de mi biografía, que habla sobre cómo se funda una disciplina en artes marciales». Un documental que esperemos sirva para que el reconocimiento internacional del que goza Noa supere las barreras, hacia dentro, de nuestro país. Y que sirva de ejemplo, también y sobre todo, para aquellos que quieren hacer de sus sueños una forma de vida.

ADICTOS A LAS SERIES

Casi que cada representación debería empezar con un «En capítulos anteriores en Relaciones...» o, para los que prefieren la versión original, lo mismo les suena mejor algo como: «Previously in Relaciones...»

Y es que sí, se trata de teatro. Se trata de una serie. Y se trata de las relaciones entre sus personajes. Un plantel de chicas que se interrelacionan entre ellas de acuerdo a las normas del teatro, de acuerdo a las normas de las series de televisión. Combinadas, aunadas, unidas para crear un formato novedoso que se representa en Fulanita de Tal. Este espacio es un bar en el que Hechizo Produciones se encarga de ocupar para desarrollar el texto, un bar que se convierte en otro más de los personajes. 

Hablamos con ellas y esto fue lo que nos contaron.

¿Cómo surge hacer esta serie teatral?

Surge por la necesidad de hacer teatro, por jugar con nuevos espacios y formatos. Una mañana tomándonos un café Chos, Sandra Carrié y María Ordoñez,  hablando de unas escenas que teníamos escritas  apareció una pregunta, y ¿por qué no hacemos una serie semanal de mujeres en teatro?, nos  pusimos a escribir, hablamos con Ruht y Lara Franco dueñas del Fulanita de Tal, que no dudaron en apostar por esta idea, nos cedieron el espacio,  y en dos meses el proyecto estaba en pie.

¿Quienes componen la serie?

Idea original y guión: Chos, Sandra Carrié y María Ordoñez

Dirección: Chos

Iluminación, arte y sonido: Bruno Silva

Reparto: Sandra Carrié, María Ordoñez, Cayetana Cabezas, Virpink, Alba García, Lorena Mateo, Ana del Rey, Yaiza Guimaré, Ondina Maldonado, Grazia Giordano y Bruno Silva.

¿Qué nos cuenta y cómo se estructura Relaciones?

Nos cuenta la vida de  10 mujeres: Angela, Laura, Alba, Cecilia, Sara, Olivia, Bea, Carmen, Violeta y la camarera, con sus relaciones afectivas, relaciones laborales, relaciones familiares y sociales. Es la vida  misma con todas sus situaciones, encuentros y desencuentros. Mujeres en su mayoría lesbianas, aunque cualquier persona independientemente de su condición sexual, podrá sentirse identificada con sus historias y relaciones.

Se trata de una serie semanal en teatro. Cada martes se estrena capítulo y se repiten varios días. 

¿Qué es lo más divertido de hacer un «teatro por entregas»?

Lo más divertido de hacer una serie teatral, es que no es algo cerrado, los guiones estan vivos, y pueden variar en función de la necesidad  de la trama de los personajes. Y algo muy interesante, a diferencia de lo que ocurre con las series en televisión, es que al tener al público tan cerca sientes como recibe y reacciona el espectador. A nivel actoral se unen dos cosas muy positivas, como ocurre en televisión tu personaje evoluciona, pero aqui, además, al hacerse varios pases del mismo capítulo, tienes más oportunidad de darle dimensión a tu personaje, porque el teatro esta vivo. Con lo cual  a pesar de que veas el mismo capítulo nunca será igual.

¿Dónde pordemos verlo? ¿Y cuando?

La serie de teatro RELACIONES se representa en El Fulanita de Tal C/ Conde de Xiquena, 2. Cada martes se estrena un nuevo capítulo, y se repetirá miércoles y jueves. Se hacen dos pases por noche, a las 21:30 y a las 22:30, El precio de las entradas es de 4€. Para reservas e información puedes visitar nuestra página en facebook: https://www.facebook.com/pages/Relaciones-la-serie/208073575983940?ref=hl

o seguirnos en Twitter @Relaciones_SeTe

MAGIA POTAGIA

¡Prepárate para una semana mágica! Olvídate de Harry Potter, de Gandalf, de Merlines, hasta de los Reyes Magos... La magia de verdad, con mayúsculas, la puedes disfrutar de la mano de Jorge Blass en el Teatro Compac de Gran Vía. Hemos hablado con Jorge de ilusionismo, de prestidigitación y de su nuevo espectáculo El arte de la magia. ¿Quieres ver la entrevista? Pues pincha en las palabras mágicas:

QUEDAMOS Y YA IMPROVISAMOS ALGO

Los amantes de la improvisación –y los que no lo son pero lo serán cuando vean esta propuesta– están de enhorabuena ya que la veterana compañia Impromadrid copa el Teatro Galileo durante todo el mes. Los miércoles presenta sus famosos Catch de Impro que tanta fama les han dado a lo largo de los ocho años que llevan trabajándolo. En él, dos equipos se enfrentan improvisando según las directivas que marca el público y gana aquel que más votos del respetable recibe.

JE SUIS BORIS VIAN

«Señoras y señores, distinguido público, autoridades...», hoy vamos a hablarles de un cabaré muy especial, un Cabaré de caricia y puntapié en el marco incomparable del Teatro Alfil. Se trata de un espectáculo musical creado a partir de diez canciones del polifacético Boris Vian. A través de ellas, vamos a ser testigos de las historias más sorprendentes que pueden vivirse en una comunidad de vecinos. (Tal vez reflejo de lo que fue la casa donde vivió el protagonista/autor de las historias que se cuentan/cantan/bailan en este cabaré). Pónganse cómodos porque lo que van a ver aquí, no es un espectáculo al uso, sino una rebosante explosión de ingenio, de teatralidad, de teatro culto, de saber hacer por parte de unos actores que cantan, bailan e interpretan toda una serie de personajes nada convencionales que sufren, aman, que son grandes incomprendidos, ingenuos, entrañables, que viven, en definitiva, la vida y la historia a su manera... Todo un carromato de hombres y mujeres fantásticos que hablan del amor y otras batallas.

Pero antes del espectáculo, y con todos ustedes, «señoras y señores, distinguido público, autoridades...», los actores Carmen Barrantes y Jorge Usón.

¿Qué se va a encontrar la gente que venga al Alfil?

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¿De dónde surge Cabaré de caricia y puntapié?

Fue idea del director hacer un cabaret en torno a la figura de Boris Vian, un hombre muy intresante precursos del Mayo del 68. Este pensador frances fue ingeniero, trompetista, novelista, compositor de ópera y de ballet,compositor de más de cuatrocientas canciones, trajo el jazz a Europa. Era un nhombre notable superdotado, hiperactivo. Su figura es la escusa para hacer este cabaré trepidante y poder homenajear a su inteligencia. Sobre esto hemos improvisado sobre diez de sus canciones que componen la columna vertebral de la figura de Boris Vian.

¿Qué vamos a ver en Cabaré de caricia y puntapié?

Es un espectáculo basado el diez canciones de Boria Vian, traducidas por nuestro director, Alberto Castrillo-Ferrer. Cuando ya las teníamos montadas pensamos cómo unirlas y empezamos a improvisar y a enredarlo con una muy buena excusa que tenemos, que si queréis saber cuál es tendréis que venir a verla. Llevamos con el espectáculo casi cinco años. Es un espectáculo mu rápido con un montón de cambios de ropa y de personajes y sobre todo es muy divertido. Tiene su parte profunda, pero es muy divertido

Con este espectáculo ganasteis un  Premio Max en 2010, ¿fue muy emocionante recibir el premio?

(Ver el video en YOUTUBE)

Un resumen de lo que os ha aportado Cabaré en estos cinco años.

Hemos crecido con el amor y la pasión que le ponemos a este espectáculo. Hay algo de máximo esfuerzo en lo que hacemos, no lo sabemos hacer mejor cada función es «a tope» —dice Jorge— a parte de acompañar a Carmen, que es parte de mi familia, compartir con ella este trabajo me ha ayudado a identificarme como actor y a dejar de pelearme con otras profesiones. Quiero a este espectáculo como lo que es, porque es nuestro. Cada noche que lo hacemos es una exhibición de uno mismo. Estamos expuestos en canal porque no es posible hacerlo de otra manera, ni de entender de otra forma este Cabaré.

Ficha técnica y artística

Actores: Carmen Barrantes y Jorge Usón 

Dirección: Alberto Castrillo-Ferrer

Compañía: Gato Negro

Composición musical y arreglos: Miguel Angel Remiro

Escenografía: Manolo Pellicer

Vestuario: Marie-Laure Bernard

Diseño de luces: Carlos Samaniego "Sama"

Maquillaje: Ana Bruned

Caricaturas: José Luis Cano

Diseño gráfico: Manuel Vicente

Fotógrafa: Marta Marco

Arreglos vocales: Raquel Agudo

Producción: David Ardid y Silvia Barona

 

EL DIRECTOR «MÁS ALTERNATIVO»

Alfonso Pindado en la Sala Triángulo

«Que veinte años no es nada», como dice la canción, aunque en este caso son 25. Veinticinco años que cumple el Festival Alternativo de Teatro, Música y Danza que se organiza desde la Sala Triángulo bajo la dirección de Alfonso Pindado. Veinticinco años en defensa del arte y del espacio donde mostrarlo. Un veinticinco cumpleaños marcado por la crisis, pero que lejos de frenar las ganas de crear cultura, la fomenta desde los espacios más alternativos, más culturales, más innovadores y más combativos, en definitiva, desde los lugares donde se hace, se dice y se practica el teatro.

Hemos hablado con Alfonso Pindado sobre el Festival y esto es lo que nos cuenta.