TWITTEO O NO TWITTEO

Foto promocional de la obra
El pasado octubre, la compañía Intrussión Teatro celebró su décimo aniversario con el estreno en Salamanca de la obra ¡Gertrudis, reina! que ahora se representa en el Teatro Alfil en su programación de agosto. Roberto García Encinas se ha embarcado en la realización del guión y la dirección de esta original y actual adaptación del Hamlet de Shakespeare.
Todo comienza en los desposorios, en segundas nupcias, de la reina Gertrudis con su cuñado Claudio, tras la muerte del rey. Durante un instante, Gertrudis se ausenta del convite para tomar descanso —y una copita— en la Sala de Damas. Allí es sorprendida por Ofelia con quien entablará una amena conversación —o más bien el cuestionario de la futura suegra—. A partir de este momento, descubriremos poco a poco a un Hamlet visto desde la perspectiva femenina de su madre y su amada, en un tono cómico y desenfadado. Toda la representación se ubica en la Sala de Damas de la corte de Dinamarca, decorada en un estilo retro para la época actual. Porque este Hamlet, esta reina Gertrudis, esta Ofelia, esta versión teatral están ambientados en esta época actual, con toda su tecnología pero sin faltar a los datos históricos de la obra original.
Hacia la mitad de la representación aparece un tercer personaje, un cómico, que convertirá el resto de la función en un vodevil, en una obra de cómicos ambulantes, en un musical improvisado entre tangos, cuplés y monólogos acercándonos al desenlace de Hamlet.
Gracias a un texto rico en notas de humor, chascarrillos y similitudes jocosas con la cruda actualidad cultural, los actores logran aflorar la risa de los espectadores. Es un reírse de continuo. El papel de Gertrudis, interpretado genialmente por Manuela Vicente, es digno de mención. Manuela actúa con una regia sobriedad tan burlesca que en cada frase, más o menos altisonante, y en cada gesto, tan seriamente cómico, te despierta la risa. Su gracia suena casi natural y su interpretación totalmente proporcionada para el propósito. 
Una conseguida y divertidísima puesta en escena de esta original visión de Hamlet donde los actores ponen todo su arte en el escenario consiguiendo lo pretendido: entretener.
¡Gertrudis, reina!, estará el próximo 14 y 15 de agosto a las 20h y el 16 de agosto a las 18h.
Ser o no ser…

Apunta: Vir Casanova 




Ficha artística y técnica

Producción: Intrussión Teatro
Guión y dirección: Roberto García Encinas
REPARTO
GERTRUDIS: Manuela Vicente
OPHELIA: Esther Nácar
CÓMICO: Roberto García Encinas
VOCES EN OFF: Lourdes Martínez, Raúl Escudero, Diego López Rico, Héctor Matesanz
FICHA TÉCNICA
Música OriginalChema Corvo
Vestuario: Carmen Nácar y Ubedoble
Escenografía: Intrussión Teatro
Grabación de locuciones: Rodrigo Tamariz
Diseño de Iluminación: Félix Fradejas
Técnico de iluminación y sonido: José Luis Navarro Gavilán

Diseño gráfico: Miguel Rejas

LAS EXQUISITECES DE LOS SUEÑOS

Cartel de la obra
Arropados bajo la técnica del Cadáver Exquisito, ocho dramaturgos crean Calderón Cadáver poniendo su personal continuación a una de las escenas principales de La vida es sueño de Calderón de la Barca. Su única premisa «temas que, en su opinión, palpitan en La vida es sueño». Y así es como, en un único texto, logran que todos los temas, casi universales, que Calderón pone de manifiesto es su obra, tomen vida a través de las voces, los gestos y la creación de Paco Gámez y Elena Tur, muy correctamente dirigidos por Ernesto Arias. El tiempo y su paso, el amor y sus fases, la libertad frente al miedo, el entusiasmo frente al derrotismo, la ilusión frente al estatismo, la prosa, el verso, la rutina, el hastío, el cariño, el poder y , sobre todo, los sueños. Todo por un sueño, se podría decir. ¿Saltamos al vacío en busca de nuestro sueño o nos quedamos en nuestra zona de confort? Si sales de tu jaula, de tu habitáculo, de tus tiempos marcados, de tus rutinas desgastadas, ¿querrás volver? ¿Podrás regresar si no te adaptas, si no te agrada? ¿Y si descubres que lo que tienes ya no es válido y sueñas con otra realidad? ¿Y si al despertar vuelves al mismo lugar?
El ritmo de la obra, en el preludio inicial, es de una lentitud asfixiante, espesa, casi de volverse loco de rutina. Un ritmo acompasado por una música agradable, en un principio, y claramente odiosa finalizando la escena. Esa música de concurso de sabelotodos donde el metrónomo se deja escuchar como un reloj. Así entras, en el texto en sí, con ganas de volar, de correr. Cambio de registro, de época y comienza el cosquilleo de la libertad, de la innovación, del deseo de traslación. Nadie dijo que sería fácil ni que los sueños nunca fueran pesadillas. Aquí entra todo, lo bueno y lo malo, lo racional y oníricamente surrealista. Lo que antes eran dioses ahora son bestias.
Los actores tienen una labor extremadamente complicada por los cambios en los tiempos, en los ritmos y en la forma textual. Ahora verso, ahora prosa, ahora silencios gélidos. Hacen un trabajo realmente exquisito.

Calderón Cadáver se estrenó el pasado 13 de julio en el Off del Festival de Almagro, ha pasado el 17 y 18 de julio por el Festival Frinje y ahora el 20 y 21 de julio inaugura el III Festival Experimental de Teatro Clásico de Madrid —ClasicOff— en Nave 73.

Y si los sueños, sueños son, aquí no lo dice nadie.


Apunta; Vir Casanova




 Ficha artística y técnica:
La Pita Teatro y EscénaTe
Autores: Calderón de la Barca, Carolina África Martín, Blanca Doménech, Zo Brinviyer, Javier Vicedo Alós, Emiliano Pastor, Victor Iriarte, Antonio Rojano, Mar Gómez González.
Dirección: Ernesto Arias.
Ayudante de Dirección: María Moral.
Asistente de Dirección: Pablo Arias.
Reparto: Elena Tur y Paco Gámez.
Escenografía y Vestuario: Karmen Abarca (AAPEE).
Música Original: Olga Blanco.
Diseño de Iluminación: Jorge Kent.
Imagen: Esther Gámez y Olga Iánez.
Producción Ejecutiva: Santiago Pérez y Mónica Mediavilla.
Prensa: Adriana Lerena.


DEL BOSQUE AL BOTE Y A BAILAR. LA EXCURSIÓN Y PROYECTO PEDIGRÍ

Foto de la obra
Dos apuestas teatrales de carácter totalmente distinto se encuentran en la cartelera del Teatro Alfil durante todo el mes de julio: La excursión y Proyecto Pedigrí.
Los miércoles tarde, y ahora que los peques grandecitos ya tienen vacaciones estivales, se han instalado Vanesa Camarda y Encarna Gómez —componentes de la compañía Teatro Cualquiera— con su trabajo de investigación La excursión. Ambas actrices llevan a las tablas, bajo la dirección de Hernán Gené, una historia plagada de los tópicos más conocidos y terroríficos de las pelis de miedo. El argumento, muy sencillo, comienza con la llegada de dos amigas excursionistas a un bosque cercano. Al verse atrapadas por la llegada de la noche deciden, cámara en mano, hacer un reportaje al más puro estilo Rec. Pequeños sustos, seres extraños, sombras… todo un mundo de fantasía al servicio de estas dos actrices que lo ponen todo en escena para provocar miedo, risa y un buen rato a toda la familia. Su trabajo cómico se basa en la investigación del clown y el trabajo físico en escena. Dos grandes paneles de papel, dejan traspasar las luces y las sombras de buena parte del espectáculo. La música, original de Juan Méndez, desde que entras en la sala, ya va amenizando y preparando el ambiente ayudada por los audiovisuales proyectados sobre los paneles y el juego de luces. Si quieres, puedes pasar mucho miedo...

La Excursión
Actrices: Vanesa Camarda y Encarna Gómez
Dirección: Teatro Cualquiera y Hernán Gené
Técnicos: Juan Miguel Alcarria y Antonio Colombo
Música Original: Juan Méndez
Espacio Escénico: Hernán Gené
Diseño de Luces: Hernán Gené y Juan Miguel Alcarria



Foto de la obra
Los sábados noche las chicas del Grupo Mstalla se suben al escenario con su Proyecto Pedigrí-Cabaret in vitro. Un espectáculo singular escrito y dirigido por Lola Zambade y Eduardo Solís. Este espectáculo completa la trilogía compuesta por Españoles… Franco ha muerto… otra vez!!!??? y Los coños de la Bernarda que tuvieron una muy buena acogida de público.
Cuatro mujeres son secuestradas por una organización interesada en encontrar al salvador de los humanos, contagiados de enfermedades hereditarias como la igualdad, el sufragio universal, los derechos civiles, etc… Cuatro mujeres que son elegidas como futuras madres del salvador y que tienen la oportunidad de abrir sus corazones y dejar fluir sus pensamientos más íntimos al resto de compañeras. Pero ¿cuál de ellas será la elegida?
La tónica general del cabaré es el humor y la risa más absurda. Humor en las poses, en los diálogos, en las canciones. Es un espectáculo que te permite pasar rato bueno sin tener que pensar demasiado. Un cabaré con mucha marcha donde las historias son de los más curiosas, cuanto menos, y las actrices tienen papeles con roles muy marcados que las permiten hacer un ejercicio interpretativo totalmente diferenciado entre ellas. Toda la música y las canciones son originales aderezadas con una vistosa coreografía para cada una de las canciones.

Puedes hacer La excursión todos los miércoles a las 20h hasta el 29 de julio y buscar el Proyecto Pedigrí todos los sábados a las 22:30h hasta el 25 de julio.

Sin miedo!!! Pégate unos bailes…


Reparto: Noelia Muñoz, Cristina Charro, Sonia de Rojas, Estíbaliz Juncal, Gala Gancedo
Música Original: Lola Zambade y Eduardo Solís
Dirección Musical: Tino Vega
Coaching de Voces: Aranzazu López
Coreografías: Eduardo Solís
Vestuario y Escenografía: Grupo Estalla
Fotografía: Diego Conesa
Diseño Gráfico: Alfonso Madrigal
Comunicación: Laura de Madariaga
Web: Florencia Claes
Producción y Distribución: Sonia de Rojas y Noelia Muñoz
Escrito y Dirigido: Lola Zambade y Eduardo Solís






Apunta: Vir Casanova

AMORES INVENCIBLES EN LOS CANALES DE VENECIA

Si la música amansa a las fieras, el amor las transforma.
El Teatro de la Zarzuela nos trae, La Dogaresa, una zarzuela de Antonio López Monís ambientada en el corazón de Venecia, donde el amor entre Marietta, una dama noble, y Paolo, un humilde gondolero, lucha contra todos los obstáculos. Como en cualquier historia épica de amor hay en ella hombres poderosos, amantes valerosos, bufones ingeniosos y algún que otro sacrificio heroico, esos que solo se pueden hacer por la persona amada.
La historia comienza con el personaje de Marco, interpretado por David Lorente, amigo de Paolo, que se encuentra preocupado por él, y consulta a una adivina que ofrece sus servicios en la calle. La hechicera predice innumerables pesares para Paolo y su amada, pues un hombre muy poderoso la pretende.
Con este sugerente comienzo nos adentramos en La Dogaresa, que es un absoluto deleite para los sentidos, no solo por las deliciosas voces de sus intérpretes, sino por el viaje por los canales, pasadizos y palacios venecianos a los que te arrastra su trama.
Absolutamente increíbles las voces de los protagonistas enamorados, Ximena Agurto y Sergio Escobar.
A resaltar la maravillosa dirección escénica de Javier de Dios, que tan acertadamente nos acerca a esta obra que se estrenó en 1920 pero que conserva los temas universales que nos hacen emocionarnos y que son universales: el amor, los celos, la venganza…

No soy una espectadora asidua a la zarzuela, de hecho, es casi mi primera vez, quizá por eso creo que se debe hacer hincapié en que la zarzuela es, hoy en día, tan capaz de emocionarnos y conmovernos, como cualquier otro espectáculo teatral. 
Y animo a quien aún no haya ido al Teatro de la Zarzuela a que se acerque a contemplarlo, porque en sí mismo, ya es una maravilla digna de ver.

Apunta: Luz de Paz


FICHA ARTÍSTICA
Dirección musical: Cristóbal Soler
Dramaturgia escénica: Javier de Dios
Iluminación: David J. Díaz
REPARTO
MARIETTA Ximena Agurto; PAOLO Sergio Escobar; ROSINA María José Martos (cantante), Beatriz Argüello (actriz); MICCONE Jong-Hoon Heo; ZABULÓN Ivo Stanchev; HECHICERA Milagros Martín (cantante y actriz); MARCO, DUX Elías Arranz (cantante); MAYORDOMO, PREGONERO, MARCO David Lorente (actor); PAJE 1ºNuria Lorenzo; PAJE 2º Nuria García Arrés; PAJE 3º Hevila Cardeña; PAJE 4º Teresa Castal; VENDEDORA 1ª Diana Rosa López *; VENDEDORA 2ª Alicia Martínez *; VENDEDOR 1º Francisco Javier Ferrer *; VENDEDOR 2º Alberto Rios *
* Miembro del Coro del Teatro de la Zarzuela
Orquesta Sinfónica de Navarra
Coro del Teatro de la Zarzuela
Director:
Antonio Fauró
Rondalla Lírica de Madrid "Manuel Gil"
Director:
Enrique García Requena

ESAS PEQUEÑAS RAREZAS NUESTRAS

Cartel de la obra
Hay veces en las que nuestras pequeñas manías o fobias no nos dejan ver más allá de nuestro escudo protector. Por eso, en muchas ocasiones, nos perdemos grandes sensaciones y sentimientos, nos perdemos muchos encuentros casuales con personas maravillosas dejándonos ganar por nuestro gigante aterrador. En definitiva, nos perdemos vivir.
Bajo la dirección de Rafael Calatayud, la compañía La Pavana y Vaivén Producciones llevan a la escena del Teatro Galileo la obra de Christopher Durang, Terapias.
Terapias es la historia de personas, principalmente. Personas algo perdidas que buscan salir adelante. Personas que se lanzan al vacío de lo desconocido para encontrar motivos para sobrevivir, para vivir. Buscan su pedazo de felicidad perdida y un amor, el que sea, pero de amor. Una estabilidad que les saque de esa sensación de derrota y destrucción de uno mismo.
Pruden y Óscar se encuentran por primera vez, tras un primer reconocimiento interactivo recomendado por sus terapeutas. No sale del todo bien esta primera cita visual pero, a partir de entonces, los encuentros se van a ir repitiendo hasta que cada uno de ellos vaya descubriendo las taras que les componen. Taras o virtudes, según se mire y según quién lo mire. Ambos andan bastante vapuleados por sus experiencias personales, sus búsquedas de identidad         —personal y sexual— y por las locuras de sus psicoanalistas que, más que ayudar, les reprimen un poquito más.
Es una comedia típica americana años 80, muy divertida y con muchas pinceladas de comedia del absurdo. Los personajes están logradísimos, cada uno en su papel, hacen que los textos tomen un carácter natural, a pesar de lo absurdo que resultan algunas de las escenas. La escenografía, única para todas las escenas, es bastante sencilla, al igual que la ambientación de la escena. El vestuario es también bastante sencillo y actual, sin muchos cambios y con algunas escenas marcadas por la extravagancia del vestuario de la doctora Kornikoff, acorde con su divertida personalidad.

Pasar un rato divertido es fácil si te acercas al Teatro Galileo. Terapias está miércoles y jueves a las 20h, viernes y sábados a las 18h y 20h y domingos a las 19h hasta el 14 de junio.

Elige la mejor de las Terapias…



Apunta: Vir Casanova





FICHA TÉCNICA
Texto: Christopher Durang
Dirección y versión: Rafael Calatayud
Ayudante de Dirección: Lourdes Bañuelos
Escenografía: Palco CB
Vestuario: Ana Turrillas
Diseño de Iluminación: Xavier Lozano
Coreografía: Ainara Ortega y Ana Pimenta
Diseño Gráfico: La Pavana
Fotografía: Manix Díaz de Rada
Elenco: Dorleta Urretabizkaia, Mikel Losada, Kepa Errasti, Ana Pimenta / Ane Gabarain, Asier Hernández y Asier Oruesagasti.
Dirección Técnica y Sonido: Iñigo Lacasa
Iluminación: Andoni Mendizábal
Apoyo Técnico: David Salvador
Dirección de Producción: Santiago Suegras
Producción Ejecutiva: Ana Pimenta y José Alberto Fuentes

Ayudante de Producción: Izaskun Imizkoz

¡ARRIBA, PARIAS DE LA TIERRA!

Cartel de la obra
Nos declaramos «muy fans» de Juan Mayorga y así se lo hemos comunicado a él varias veces, y así lo hemos dicho aquí varias veces. ¿Pero como no serlo de un autor que cuida sus textos al máximo? Crea unas obras con diversos niveles de lectura en los que recrearse como espectador. Así lo vimos en Famélica.
Es la última pieza de este autor en llegar a la cartelera madrileña y en la que se nos propone, desde una gran empresa imaginaria, una metáfora de los movimientos políticos de izquierda de finales del siglo XIX y principios del XX. Se nos acerca a sus planteamientos, sus bases, sus ideales, su filosofía. Se nos acerca a los pensamientos de Marx, de Lenin, de Bakunin, de Gramsci...
Así se nos cuenta como en una gran empresa se forma un grupo ilegal que pretende reclutar al protagonista de la obra para la causa. Se proponen «crear una sociedad secreta de hombres sin cadenas» que se aproveche de los «recovecos» de dicha corporación para su propio provecho. Así se protejerán unos a otros para encubrirse a la hora de no trabajar y escaquearse con el afán de dedicarse cada uno a sus propias pulsiones, sus pasiones.
Y no quiero desvelar mucho más de la obra. Quiero que te acerques al Teatro Lara y que veas la representación, que te dejes llevar por los personajes y sus hilarantes situaciones y diálogos. Sí, lo sé, a veces baja un poco el ritmo pero lo achaco a que fue el estreno y a que le faltaba un poquito de rodaje y a los nervios de la primera representación. No dudamos de la maestría de Nieve de Medina (Un franco catorce pesetas, y un Goya por Los lunes al sol) y Rulo Pardo (Sexpearemente) y de sus compañeros de reparto Juanma Diez (proveniente del mundo de la improvisación donde a participado en compañias como Jamming o los Match de improvisación) y Xoel Fernández, quien también participa en la producción.

La puesta en escena y dirección corren a cargo del argentino Jorge Sánchez, quien tras haber trabajado profusamente al otro lado del Atlántico desembarcó en nuestras costas para crear el grupo de exploraciones teatrales La Cantera en el marco del cual se ha creado este texto.


Apunta: Rubén Sintes




Ficha artística y técnica

Dramaturgia: JUAN MAYORGA
Dirección y Puesta en Escena JORGE SÁNCHEZ
Actuación NIEVE DE MEDINA, JUANMA DIEZ, XOEL FENÁNDEZ, RULO PARDO
Diseño Escenográfico CARMEN LARA CUENCA
Diseño Sonoro e Iluminación MICHAEL
Ayudantes de Dirección y Producción MARTA CUENCA
Producción XOEL FERNÁNDEZ / JUANMA DIEZ / JORGE SÁNCHEZ
Con el apoyo de JAMMING / Estudio JUAN CODINA
Un proyecto de LA CANTERA -exploraciones teatrales-

LA ÓPERA DEL MAÑANA SUENA HOY

Cartel de operadhoy 2015
Sinergias
La Sala Verde de Teatros del Canal acogerá del 10 al 14 de junio el Festival OPERADHOY, este año el título de la edición es más que sugerente: SINERGIAS. Para entender en qué consiste este Festival nos hemos acercado a los curadores de la edición de este año Rubén Vejabalbán y Alberto Bernal. Ellos nos han contado en qué consisten este año sus «Sinergias»: nueve elementos tomados de tres en tres que dan como resultado: 
Tres estrenos de tres obras de tres compositores españoles.

Con esta iniciativa iniciativa se proponen catalizar la colaboración entre jóvenes compositores y directores de escena del ámbito nacional con la finalidad, el interés y la intención de hacer posibles vínculos que den lugar a nuevas formas de concebir los discursos escénico-musicales.
Pero la cosa no se queda aquí, dan un paso más que va más allá de la pura creación proponiendo, en esta edición, dinamizar la escena madrileña con propuestas actuales, arriesgadas y que generen un diálogo más directo con la diversidad de públicos de las artes escénicas.

Los compositores y directores de escena que participan en este Festival (Alberto Bernal y Àlex Serrano —con 0.997—Irene Galindo y Andrea Díaz Reboredo     —con A campo abierto—Oliver Rappoport y Rubén Vejabalbán —con Leviatán—) apuestan por la progresiva disolución de límites entre los principales estamentos artísticos (núcleo principal de la iniciativa), la incorporación de otras líneas discursivas (como el videoarte o la performance), la utilización de nuevas tecnologías o el diálogo directo con el mundo real. Pero, sobre todo, su creación se orienta hacia el diálogo entre las disciplinas artísticas existentes, buscando, creando y defendiendo sinergias. 

La primera pregunta, a Rubén es obligada: 

Cartel de la ópera 0.997
Acción sonora para corredor de fondo,
ensemble de saxofones y vídeo en tiempo real
¿Por qué es necesario pensar hoy las distintas artes artes escénicas desde un punto de vista nuevo? Ciertamente, la puesta en escena ha estado supeditada durante siglos a la producción literaria y musical, pero después de la obra de arte total wagneriana y de las sinestesias modernistas, a principios del siglo XX, la escena alcanzó su estatuto de autonomía gracias a una técnica, a un arte integrador capaz de disponer cualquier lenguaje en el espacio-tiempo ritualizado del teatro. No se trata, por lo tanto, de un punto de vista nuevo (Craig y Appia, después Meyerhold, Piscator, el taller de la Bauhaus... hasta el Black Mountain College e.g.) sino de un punto de vista que todavía se relaciona con la vanguardia y la experimentalidad debido a un conservadurismo que sigue reconociendo la escritura desvinculada de la performance.
Alberto, ¿cuáles son las líneas fundamentales de este proyecto? La línea fundamental es la que de algún modo preconiza el nombre, la sinergia.
Primero, la sinergia entre disciplinas. Pensamos que una de las líneas discursivas más interesantes en las propuestas de las nuevas generaciones de creadores es una manifiesta transdisciplinariedad o, mejor dicho: una antidisciplinariedad. Los límites entre lo que hasta hace poco se entendía claramente como música o teatro se han desdibujado bastante, y en algunos casos parece solo quedar el resto material de la disciplina: si lo sonoro predomina, quizá esté más cercano de la música; si hay una escena, tal vez lo llamamos teatro...
Por otra parte, está también la sinergia entre creadores. Partimos de la convicción de que cuando dos creadores se juntan el resultado no es A + B, sino que es «otra cosa». Es una apuesta arriesgada, sobre todo porque hemos planteado encuentros casi a ciegas entre los diferentes creadores del proyecto, pero, por experiencia propia, puedo decir que cuando la sinergia funciona, la experiencia es maravillosa; y esto es lo que queremos trasladar y compartir con el espectador.


Cartel de la ópera Leviatán
Inmersión escénica 
[danza, música, electrónica y vídeo]
¿Hacia dónde se orientan las Sinergias que se proponen en vuestro proyecto? No sé si se pueden establecer muchas cosas en común entre los tres proyectos integrantes, más allá de la comentada apuesta por la sinergia. En A campo abierto, las creadoras Andrea Díaz e Irene Galindo han planteado una serie de paralelismos entre lo sonoro y lo visual/escénico, como una configuración dinámica del espacio que va mutando en función de la evolución del sonido. En Leviatán (Rubén Vejabalbán y Oliver Rappoport) encontraremos, por ejemplo, la presencia de la danza como elemento-bisagra entre música y escena. Mientras que en 0.997 (Àlex Serrano y Alberto Bernal) uno de los puntos de confluencia que se plantean es cómo un elemento tan poco artístico como el paradigma de producción y acumulación económica puede materializarse en forma de música, por un lado, y videocreación en tiempo real, por el otro.
Rubén, ¿música acompañada de…? La sinergia se diferencia de la yuxtaposición. Es la misma dinámisis vital la que articula el discurso escénico, todo está en permanente interrelación transformadora: música, movimiento, vídeo, luz, acción, gesto... La Bühnenkomposition (composición escénica), como la llamó Kandinsky en 1911, o la Bühnenkunstwerk (obra de arte escénico), como la llamó Schreyer en 1916, creo que recoge esta idea vitalista.
Cartel de la ópera A campo abierto
Ópera de cámara

Y, para finalizar, ¿este proyecto se puede entender como nn nuevo lenguaje global o estaríamos hablando de varios lenguajes en simbiosis? El concepto de sinergia nos aproxima a una perspectiva mediática en la que la escena y los procesos creativos que a ella se dirigen se articulan por una necesidad de encuentro comunicativo; nos separamos por lo tanto de una perspectiva lingüística para la que, por cuestiones de auctoritas, sí es importante diferenciar música, teatro, danza, etc. —Alberto, apunta— No sé hasta qué punto es tal la disyuntiva que plantea la pregunta. Por un lado, uno de los aspectos que cuestionan las creaciones más actuales es precisamente la univocidad del lenguaje, la línea discursiva única. Pero por otra parte, y por el mismo motivo, tampoco creo que eso implique que en el trabajo colaborativo cada autor lleve de fábrica «un lenguaje» para sumarlo a su co-autor, sino que ya de por sí un único autor puede estar poniendo en juego diferentes lenguajes (si podemos llamarlo así), diferentes líneas de percepción. Quizá, más que de una simbiosis podríamos estar hablando de una red con infinitos puntos de encuentro o, recurriendo al conocido término botánico empleado por Deleuze: un rizoma.
Sinergias se plantea, así, incentivar este ecosistema de imágenes, acciones y palabras que constituye el verdadero núcleo y origen de aquello que una vez se llamó ópera, tratando así de generar una ópera de hoy. 
Si duda unas propuestas que combinan a la perfección diversas concepciones escénicas apoyadas en un ideario casi metafísico que supera el concepto de arte escénico convencional y que no dejará a nadie indiferente.

Como veis, una cita ineludible.

Toda la info:
operadhoy
Dirección artística: Xavier Güell
Producción: Rebeca Largo, Pau Guix
Curaduría Sinergias: Alberto Bernal & Rubén Vejabalbán
@musicadhoy
Venta de entradas: www.teatroscanal.com

Dónde y cuándo: Teatros del Canal, Sala Verde del 10 al 14 de junio. 

EL MACABRO JUEGO DEL AMOR

Cartel de la obra
La cartelera madrileña está de suerte: ha vuelto, ahora al Nuevo Teatro Alcalá, la obra Excítame, de Stephen Dolginoff con dirección de José Luis Sixto y dramaturgia de Pedro Víllora. Tengo la suerte de conocer varias facetas literarias de Pedro, en todas ellas soberbio, por cierto, y ni que decir tiene que esta versión es un ejemplo paradigmático de su buen hacer. Gracias, por este regalo en castellano.

Después de reconocer al cesar lo que es del cesar, o precisamente por ello, avanzo recorriendo los pasos obligatorios, pero antes me paro para tomar aire y así poder hablar sin emocionarme del gran espectáculo músico-dramático que es Excítame.

Para empezar, sorprende pensar que esta obra es un musical, es cierto que lo es, pero es tan impactante el desarrollo de la acción que se te olvida que los personajes nos cantan su drama. La historia, una historia real, te va cogiendo y sobrecogiendo por momentos: dos amigos «especiales», después de cometer una serie de delitos menores, deciden perpetrar lo que ellos creen que es un crimen perfecto. Pero yo no quiero hablar de lo que va la obra; yo quiero contar otra cosa.

Continúo. Un escenario con mínimos elementos, los justos para ambientar la escena, un espacio sonoro y un diseño de luces que te envuelve y consiguen evocar un espacio íntimo, que no es solo físico, sino que parece que nos transporta al interior de los personajes, un excelente músico pianista, un texto impresionante y dos actores: Alejandro de los Santos y David Tortosa. No sé si podría decir actores, eran sus cuerpos y sus voces (de eso estoy segura), pero ellos no eran ellos, ellos eran Nathan Leopold y Richard Loeb. Ellos eran capaces de transportarnos al Chicago de 1924 sin que nos diésemos cuenta, aunque la historia que nos contaban bien podría estar sucediendo ahora mismo. No había en el escenario nada impostado, todo era verdad, una verdad que sobrecogía por varios motivos: por la dureza del texto; por el reflejo tan fiel y descarnado que plantean de los instintos más primarios del hombre; por cómo se muestra la debilidad, la manipulación, el poder de la persuasión; por el retrato terrible que se ofrece en la escena de una psique enferma; por la catarsis que produce ver que nadie está alejado de caer en esa trampa mortal que es la necesidad del otro para satisfacer los propios instintos o para reafirmarse a través del valor que te otorga el que dialoga contigo; por la calidad dramática de la propuesta escénica; por la sinceridad y la honestidad de los actores... Ni siquiera la música en directo y escuchar cantar a los actores rompía el juego verosímil que propone la obra, porque ellos no cantan, ellos dramatizan las canciones, ponen música y armonía a una historia que, a lo mejor, no puede ser contada si no se dulcifica con una melodía. La música calma a las fieras, ¿no?, o eso dicen.

La experiencia, como espectador, que supone ver una obra del tamaño descomunal que es Excítame, hace que se entienda el valor del teatro como un arte. Todo está medido, nada sobra. La dirección, la interpretación, la adaptación están tomadas desde la honestidad que se les supone a aquellos que solo quiere contar una historia, que no quieren nada más que contar una gran historia desde un lugar pequeño, desde la responsabilidad y la necesidad del trabajo bien hecho.

Excítame no es solo un musical, Excítame no es simplemente una obra de teatro, Excítame es algo más que eso, es la prueba de la buena salud de nuestro teatro.

¡Excitarse, sí, en las butacas! Desde el 13 de mayo en el Nuevo Teatro Alcalá



Apunta: Conchita Piña




Ficha artística y técnica:
Autor: Stephen Dolginoff
Dramaturgia: Pedro Víllora
Director: José Luis Sixto
Actores: Alejandro de los Santos y David Tortosa //Alberto Fría y Marc Parejo
Director musical: Aday Rodríguez
Pianista: Aitor Arozamena
Escenografía: Asier Sancho
Iluminación: Juanjo Llorens
Sonido: Sandra Vicente
Vestuario: Sastrería Cornejo