ALEA IACTA EST

Cartel de la obra
Tres amigos, tres trastornos mentales y una terapia. Este es el punto de conexión para esta extraña amistad entre Javilo, César y Raúl. Un día cualquiera quedan en casa de Javilo, enfermo del páncreas a pocos meses de morir si no recibe un donante que le salve. César está dispuesto a convencer a Raúl ─ quien quiere suicidarse en menos de un año para evitar la decrepitud y la vejez ─ para que adelante su suicidio y así sea el donante del órgano vital para Javilo. Planteamiento servido. A partir de este punto, toda la obra se convierte en una serie de sorprendentes descubrimientos que alzarán el espectáculo al grado sumo de comedia. Temas como la soledad, el cariño y la falta de él, la vida, la muerte, el coraje, la mentira y, sobre todo, la amistad se encuentran a cada verso. Verso, sí; Patxo Tellería ha creado esta fantástica trama cómica en verso, para que no le falte de nada.
Comienza la función. Nos sorprende gratamente una escenografía fija, sencilla en la visual, pero de una estética oscura de mansión antigua y con una enorme practicidad. Una escenografía que parte la escena en tres estancias: la planta baja o salón donde se desarrolla casi toda el obra; una planta superior donde se ubican algunas de las escenas centrales de la obra y una zona ciega donde los actores salen de la escena. Un piano, alguna que otra silla y un juego de luces más tendentes a lo oscuro, dotando a la escena de ese aire misterioso, completan la original y elegante escenografía.
Aparecen los tres amigos presentando a sus personajes en un juego teatral de recorrido circular por el escenario, vestidos como si los hubieran sacado de un cuadro de Magritte ─ casualmente, Magritte murió de un cáncer de Páncreas en 1967 ─. No les falta detalle en el vestuario: traje, chaleco, abrigo, bombín y hasta un estiloso batín. Elegancia y, a la vez, comicidad.
Cada uno de los actores hace elogio de sus dotes teatrales llevando al público a su antojo por un mar de escenas cómicas nada fáciles por sus coreografiados movimientos. Hacen de la obra un suculento encuentro de nuestras propias contradicciones, de nuestros propios sentimientos, de nuestros propios miedos y de nuestras propias vergüenzas. Nos ponen en la tesitura del «¿y tú que harías?». Se transforman en César, Javilo y Raúl como si hubieran vivido en ellos toda su vida. Encuentran el punto justo entre la comicidad y el ridículo, haciendo que los personajes creen escenas totalmente absurdas, y eso les engrandece. Apuestan por una teatralidad exagerada, por aparentes gestos y engoladas frases acompañadas de canciones propias de un espectáculo de varietés que no hacen más que aumentar las risas del exigente pero agradecido público.
Es una suerte, una vez más, poder asistir a tan grandes eventos teatrales. Esos buenos; esos de los que sales con el pecho henchido, con las manos rojitas de aplaudir a unas actuaciones magníficas, a una dirección de escena (a cargo de Juan Carlos Rubio) limpia, elegante, rica en matices teatrales fuera de la simplicidad, a un equipo técnico que hace que las luces, la música y el sonido ambiental sean recordados y hasta nombrados en una conversación.
Tienes otra oportunidad de ver Páncreas en el Centro Dramático Nacional–Teatro Valle Inclán hasta el próximo 24 de enero de martes a sábado a las 19h y el domingo a las 18h. 
¡¡¡Pero date prisa que se agotan!!!

«Cada nuevo amigo que ganamos en la carrera de la vida nos perfecciona y enriquece más aún por lo que de nosotros mismos nos descubre, que por lo que de él mismo nos da.» Miguel de Unamuno.

Apunta: Vir Casanova










Ficha artística y técnica

Texto: Patxo Telleria
Dirección: Juan Carlos Rubio
Reparto: Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión.

Equipo Artístico
Escenografía: José Luis Raymond
Vestuario: María Luisa Ángel
Iluminación: José Manuel Guerra
Diseño de sonido: Sandra Vicente
Música Original y Espacio Sonoro: Miguel Linares
Asesor de Movimiento Corporal: Federico Barrios
Ayudantes de Dirección: Chus Martínez / Juanma Casero
Imagen: Malou Bergman
Diseño de Cartel: Isidro Ferrer
Fotos: Sergio Parra

Equipo Técnico
Construcción Escenografía: Mambo & Sfumato
Vestuario: Sastrería Cornejo
Asesoría: Abate Asesores
Transporte: Cultural Transport

Producción: Centro Dramático Nacional y Concha Busto Producción y Distribución

DESESPERANZADAMENTE

Cartel de la obra
La obra Las tres hermanas de Antón Chéjov se estrenó en Moscú en 1901 bajo la dirección de Stanislavski. A partir de entonces, muchas han sido las representaciones que se han hecho de este drama en cuatro actos en todo el mundo. La Compañía de Creación Escénica con dirección de Óscar Miranda lleva su versión de Tres Hermanas al escenario de El Umbral de Primavera.
La familia Prozorov habita en un pueblo de la Rusia profunda. Tras la muerte del patriarca, las tres hermanas y su hermano viven con el deseo de volver a su ciudad natal: la idealizada Moscú. Pasado el luto, la casa se vuelve a llenar con las visitas y todo parece alegría y esperanza en un futuro en la anhelada e idealizada Moscú. Pero la llegada a la casa de la prometida del hermano, Natasha, hace que una sombra se apodere de todos ellos. Poco a poco Natasha irá marcando y ganando terreno haciéndose con la casa y el total dominio de todo. La desesperanza se afinca en las hermanas que terminan por aceptar sus vidas tal y como están, dejando sus sueños y esperanzas de felicidad en el camino.
Óscar Miranda, director y adaptador del texto del clásico de Chéjov, ha conseguido una puesta en escena muy gustosa y lograda. Ha prescindido de algunos personajes que, realmente, no son primordiales para el desarrollo de la acción. Ha dirigido con mucho gusto un drama con una oscuridad que va en degradé. Para ello parece que en las escenas primeras la luz ilumina la escena con más brillo y calidez que en las escenas finales, donde la luz parece oscurecerse y enfriase ante el derrotismo que se cierne sobre los personajes de las tres hermanas por no lograr los sueños esperados.
Toda la función se ha basado en una escenografía sencilla con objetos muy del estilo de la obra que van de aquí para allá según pasan los actos. El vestuario también muy acorde con la historia deja ver ese poso de pueblo, de costumbres, tradiciones…
De los actores, todos muy en consonacia a sus personajes, tengo que destacar la labor actoral de las féminas de esta adaptación. Los papeles femeninos tienen un poder extraordinario en esta obra. Los personajes de las tres hermanas están brillantemente interpretados por las actrices Julia Soto (Masha), Amanda Solar (Olga) y Kensit Peris (Irina). Cada una de las actrices ha sabido destacar los pequeños detalles de cada una de las hermanas dejando que la vida pase por ellas, tal y como lo relata el mismo Chéjov. Sienten las vidas, sienten el amor, sienten la desesperación y la desesperanza final como si, verdaderamente fueran sus propias vidas. El trabajo de la vieja tata, Tina, y la odiosa Natasha, interpretados respectivamente por María José Pérez y Elena Candel, aún siendo sus personajes más exagerados que el resto, sus interpretaciones aportan dos puntos opuestos y a la vez dos formas de vida diferentes. Es por esta distinción por la que el personaje de Natasha es odioso en papel y, de la misma manera, en escena es repelente, estridente y detestable.

Un clásico es siempre un clásico, pero si tiene una buena dirección y un buen elenco de actores ese clásico se hace especial. No dejes la oportunidad de ver a La Compañía de Creación Escénica los sábados de enero a las 19:30h en El Umbral de Primavera.

«La felicidad no existe. Lo único que existe es el deseo de ser feliz». Antón Chéjov




Apunta: Vir Casanova (@Vir_casanova)







Ficha artística
ACTORES: JULIA SOTO, KENSIT PERIS, AMANDA SOLAR, ELENA CÁNDEL, MARÍA JOSÉ PÍREZ, NACHO AMADO, RUBÉN ORTEGA, TÁRIK HERVÁS, JAVIER MOLINA,
TEXTO: ANTÓN CHÉJOV
VERSIÓN Y DIRECCIÓN: ÓSCAR MIRANDA
AYUDANTE DE DIRECCIÓN: MARÍA TERESA GARCÍA ESTEBAN
DISEÑO GRÁFICO: DENISE DEL CARMEN
PRODUCCIÓN: AMANDA MARTÍN
ASESORA DE MOVIMIENTO: PALOMA SÁNCHEZ DE ANDRÉS
VESTUARIO: ARANTXA MARTÍNEZ DE LUCAS
COMPAÑÍA DE CREACIÓN ESCÉNICA


UN DULCE DE NAVIDAD: PARA TEÑIRNOS DE COLORES

Cartel de la obra
Color deseo y descubro color me siento y me desnudo color. Color sueño y color despierto.
Carmen Naranjo (Política y Escritora Costarricense)



La trama de este infantil, que más que teatro es un cuentacuentos interactivo, consiste en que Dulce se siente triste porque la dueña oscura de su pastelería no le deja poner color a sus creaciones culinarias.
La malvada monocolor vestida completamente de negro le ordena que los dulces solo pueden contener el color blanco y negro, nata y chocolate; Dulce quiere que la vida tenga diversidad de sabores y colores.
La joven pastelera busca la ayuda del público asistente para darle color a sus pasteles, tartas, galletas y otras delicias varias.
La actriz Nuria Saiz se transforma en los diferentes personajes que configuran este cuento navideño, a la vez que da voz a números musicales adaptados del ideario del pop español, lo que consigue que los adultos sepamos y tarareemos esas canciones. Aparece el hada estrella y hace «Chas, y aparece a tu lado». ¿Recuerdan?
Una actriz con manejo del público infantil, de sus necesidades y sus respuestas. Una actriz versátil y entregada a los niños y niñas. Y a Nuria, que encarna a los diferentes personajes con atractivos vestuarios, la acompaña una pantalla de plasma con la que interactúa para su relato teatralizado. El juglar cuentista del siglo XXI. Video casero y eficaz, un poco recuerdo de esos Teletubbies que manejaban la pantalla de su barriga.
Un atractivo para pequeños y mayores es que la sala tiene sillas y mesas y se pueden tomar algo durante la función. A los pequeñitos les agasajan con unas palomitas y al final ¡Una dulce sorpresa!

Apunta: Coral Igualador @coraligualador1








Ficha artística
Compañía: Expressarte,
Dirección, Texto, Actuación y Audiovisuales: Nuria Sáiz 


3 apuntadores
La Chocita del Loro Hotel Senator C/ Gran Vía, 70
Del 26 de diciembre al 4 de enero a las 13:00
Consultar en web del teatro

CRAZY CHRISTMAS SHOW!: EL LEO BASSI MÁS PEDAGÓGICO

Cartel de la obra
Esta avidez de adquirir bienes y posesiones para nosotros mismos y nuestros más cercanos amigos es invariable, perpetua, universal y directamente destructiva para la sociedad.
David Hume

Quizás el titulo pueda resultarles curioso. ¿Leo Bassi pedagógico? ¡Por supuesto! Ha creado un espectáculo familiar, por ende que mezcla a cualquier edad de manera real y eficaz, lleno de contenido reflexivo, cultural, educativo y sobre todo divertidísimo. Esta es su pedagogía, y funciona.
Laura Inclán y Lola Barroso le acompañan. La primera como actriz y cantante, que lo hace a las mil maravillas con un perfecto acento británico, y la segunda como duendecillo al teclado con la música en directo.
La famosa irreverencia del creador da paso a una interpretación necesaria y que ha adecuado a la perfección al público al que se dirige: un Papa Noel en huelga porque los niños ya no saben que hacer con tantos juguetes y han perdido el sentido del juego amontonado entre el colorido del consumismo.
Cualquier broma está llena de contenido, sin ser escandalosa, lejos de eso cuenta grandes verdades que deberíamos escuchar.
Y para poner mas guinda a su parte educativa, cantan villancicos en inglés, a los que podemos acceder todos porque dejan un libreto con las letras en cada mesa del teatro, para que entonemos sus conocidas letras junto con la lady inglesa que ha venido a rescatar el sueño de la Navidad.
También nos cuenta la historia real de la procedencia de Santa Claus, haciendo un claro alegato en contra de la violencia.
Leo Bassi sorprende. Huye de la ñoñería o de la historia fácil. Trata a mayores y pequeños como humanos inteligentes. Todo ello muy de agradecer, y puedo asegurarles también que las risas provenían de cualquier edad que estaba sentada en la sala.
Si conseguimos cambiar algunas cosas, Papa Noel seguirá repartiendo regalos, porque el pobre está cansado (y creo que los Reyes Magos también) de la estupidez humana.
Y Leo nos narra un final esperanzador, porque es Navidad y porque el cree en el amor sobre todas las cosas.

Apunta: Coral Igualador @coraligualador1







Ficha artística:
Dirección y Autor: Leo Bassi.
Interpretes: Leo Bassi, Laura Inclán y Lola Barroso.


Teatro Alfil C/ Pez, 10
Sábados 17:00
Consultar en web del teatro

100% BURBUJAS. EL ARTE EFÍMERO

Cartel de la obra
¡Una burbuja de jabón…! ¡He aquí la vida de la felicidad!”
Ignacio Manuel Altamirano
(Escritor y político mexicano)

Su subtítulo lo dice todo: espectáculo poético con agua y jabón. ¿Para qué más? Si lo que se muestra en el teatro tiene un hilo narrativo y lo que aparece en el escenario es un virtuoso de las pompas de jabón.
Estética, poética y un humor muy cercano. Acompaña a este universo de finísimas membranas de agua, la música y el juego de luces para configurar una puesta en escena mágica. El encanto de lo bien hecho.
Renovado constantemente desde 2013 se ha dotado de una dramaturgia más efectiva que le aporta dinamismo y coherencia. Va mas allá de la parte técnica de la realización de las pompas porque encierra una filosofía de arte y podría aventurar que también de vida.
El viajero, vestido con un traje que recuerda a los rusos, recorre el mundo con su maleta mostrando un arte efímero, irrepetible y del aquí y ahora: la pompa.
Pompas que hacen esculturas, pompas dentro de otras pompas, pompas pequeñas y tan grandes que pueden contener a una persona. Pompas con vapor o que suenan a cristal roto. Pompas que crean fuego. Pompas que parecen imposibles. Pompas que jamás se repetirán como nunca una función es igual a otra o como el agua que corre jamás es la misma.
Y un discurso final cayendo pompas sobre el escenario que es otro regalo para la reflexión.
Sin lugar a dudas, un espectáculo diseñado para toda la familia.
Regalen pompas por Navidad a cualquiera, a cualquier edad.
La fina membrana transparente, muchísimo mas fina que un cabello lleva impresa lo artístico en estado de gracia.



Apunta: Coral Igualador @coraligualador1









Ficha artística 
Actuación-Autor: David Vega.
Dirección artística: Juanfran Dorado (Cia. Yllana)
Compañía: Made in Jabón.

Teatro Lara C/ Corredera Baja de San Pablo,15
Únicas funciones: 26, 27 y 29 de diciembre; 2 y 3 de enero
12:00h

Consultar en web del teatro


«AIRE»: MÚSICA EN CLAVE DE CLOWN

Cartel de la obra
La música es el arte más directo, entra por el oído y va al corazón.
Magdalena Martínez (Flautista)

Cinco personajes y ciento cincuenta instrumentos. Un gran espectáculo, una magnifica interpretación y una puesta en escena moderna, divertida, rompedora y técnicamente impecable: esto es Aire.
Su estética, aunque se anuncie como teatro familiar, puede echar para atrás a los mas pequeñines de la casa, por lo que la recomendaría a partir de 9 o 10 años. Hay niños a los que los payasos de cara blanca, llamados «entes» en el caso de este, recalco, maravilloso espectáculo que combina la música hecha con diferentes elementos desde bolsas de plástico, hasta muñecos de goma o el propio cuerpo, les puede asustar. Solo eso, todo los demás debería ser apreciado a cualquier edad.
Estética de comedia del arte en tono contemporáneo. También los móviles forman parte de este juego de ritmo y sincronía musical. Música con todo, para apreciarla en toda su magnitud.
Cuando el espectador entra en el teatro se encuentra un pared recubierta de enormes bolsas de plástico a modo de tubos, y cuatro enormes cubos transparentes que contienen en su interior a cuatro hombres completamente vestidos y pintados de blanco conectados a un tubo de plástico que es su conexión con el mundo exterior. Impresiona. Estas ante una escenografía moderna que no deja adivinar lo que después sucederá en el escenario. Porque esto que se avecina inquietante se ira transformando en risas, ternura, payasadas y sobre todo, ante todo una delicia técnica e interpretativa musical.
Ellos se comunican en un espacio de nada a través del sonido. Se descubren y descubren al público en un juego de humor y poética que separa a este espectáculo básicamente musical de otros como Mayumana porque ha sabido combinar la narrativa de la comedia con el sonido que nace de diferentes cajas de resonancia.
Producido por Emilio Aragón, y creado por Fernando Bernués y Patxi Barco nos trae al escenario a una saga de artistas de los que no cabe ninguna duda que son de solera y raza de impronta del arte: La compañía Buvoj, formada por los artistas Alejandro, Alonso, Gonzalo, Rodrigo y Punch Aragón.
Aire está magníficamente vivo. Vibra, sorprende, impresiona.
¡Emociona! Para mi una clara referencia de entretenimiento, arte y calidad sobre el escenario.

Apunta: Coral Igualador








Teatros Luchana C/ de Luchana, 38
Del 3 de Diciembre al 10 de enero.
Diferentes horarios mañana y tarde. Consultar en la web.



Producción: Caribe Teatro
Dirección y Autor: Fernando Bernués y Patxi Barco.

Reparto: Alejandro Aragón, Alonso Aragón, Gonzalo Aragón, Rodrigo Aragón, Punch Domínguez Aragón.

¡AQUÍ SE RÍE HASTA EL APUNTADOR!

cartel de la obra
Año 1975, durante la representación de la obra El revuelo de la codorniz aparece muerto el actor protagonista en dudosas circunstancias, su cadáver yace sobre el escenario del teatro. El inspector Mercadal y su ayudante, el subinspector Marino, irrumpen entonces en el patio de butacas para investigar el móvil y la autoría del crimen. Se cierran las puertas, nadie puese salir ni entrar del Alfil hasta que la investigación termine y se esclarezca lo sucedido. Desde ese mismo instante todos los miembros de la compañía y todo el público presente en la sala se convierten en sospechosos de un crimen. Para desenmascarar al autor de tan inquietante crimen, los policías intentan reproducir, con la colaboración de los actores de la obra, lo ocurrido durante esa última representación. 
Con este espectacular comienzo de Muerto en el acto, el público pasa de ser un mero espectador a ser parte activa de la escena. La metateatralidad atrapa al espectador en su butaca desde el principio y le hace literalmente complice en todo momento de lo que ocurre en escena.
Josep Manel Casany y Diego Braguinsky dan vida a esta genial pareja policial, encarnando a la perfección la esencia de esas parejas cómicas de detectives que tantas veces hemos disfrutado en el cine o en la literatura. Especialmente cómico resulta el intento desesperado de las pareja de detectives por reunir con ellos en escena a toda la compañía, algo del todo imposible dado que todos los actores doblan papel. El maravilloso trío comico lo completa una excepcional María Zamora que, ya sea en la piel de la diva Filo Cuchillero o interpretando a la señora Regi Dora, conecta a la perfección con el público desde la primera escena. 
A destacar la escenografía y la sobresaliente ambientación diseñadas por Josep Simón y Eduardo Diaz. El recurso del falso telón traslúcido da continuidad al dinamismo escénico con excelentes transiciones, a la vez que ayuda a generar una mágica atmósfera detectivesca durante la reconstrucción de los hechos.    
Humor surrealista, juegos de palabras y diálogos vertiginosos son la seña de identidad de este excepcional texto en el que Pujol y Braguinsky combinan con absoluta maestría textos de grandes autores del teatro cómico español de la primera mitad del siglo XX, como Jardiel Poncela, Muñoz Seca y Arniches. El resultado es una divertidísima comedia en la que uno tiene la sensación de que el mundo del teatro recupera la maravillosa capacidad de reírse de sí mismo sin complejos: el auge del teatro de denuncia social, el teatro conceptual, la critica teatral, etc. En mi opinión Muerto en el acto es un brillante homenaje a los autores cómicos de la posguerra, una divertida comedia policíaca en la que ni si quiera la que suscribe estas letras se libra de la sorna. 



Apunta: Mirrina








FICHA ARTÍSTICA
ORNITORINCS presenta MUERTO EN EL ACTO
de JAIME PUJOL y DIEGO BRAGUINSKY
y textos de ENRIQUE JARDIEL PONCELA, PEDRO MUÑOZ SECA, CARLOS ARNICHES
Dirección: JAIME PUJOL
Intérpretes: JOSEP MANEL CASANY, DIEGO BRAGUINSKY, MARÍA ZAMORA, OLGA UTIEL
Ayudante dirección: LOLA MOLTÓ
Diseño escenografía: JOSEP SIMÓN – EDUARDO DÍAZ
Diseño iluminación: SERGI VEGA
Producción ejecutiva: PEP CHIVELI

KERMÉS, UN HOMENAJE A LOS INFANTILES DE SIEMPRE

Cartel de la obra
Creo que la vida debe ser una fiesta continua
Salvador Dalí


Ciertamente Kermés, un pequeño Gran Show es un espectáculo de teatro familiar, por lo que fue seleccionado en Chile para Festival Internacional de Teatro Familiar FAMFEST 2015.
Hay veces que se anuncia así el teatro infantil pero no siempre cumple ese requisito, en este caso la denominación es muy correcta, ya que haciendo un guiño a espectáculos de variedades de antaño, a circos caseros, cómicos que recorrían las plazas de los pueblos integra a la perfección a toda la familia. Tengamos en cuenta que los padres y las madres se reían casi más que los propios hijos.
Un humor blanco, de repeticiones y parodias que evoca a los clowns y a lo mimos, eso sí, disfrazados de un equipo de artistas de múltiples transformaciones y un dicharachero animador.
Ampliamente colorido, con música conocida por mayores que muchos pequeños habrán escuchado tararear, la sala se llena de ritmo y recuerdos compartidos entre generaciones. Suenan entre otras el «viaje con nosotros» y «La cucaracha» y nos damos cuenta que hay canciones pegadizas que nunca pasan de moda. Una buena combinación.
Bailan, parodian, se transforman. Lo hacen con criterio y sin que decaiga el ritmo. No tiene un lenguaje infantil sino un lenguaje universal de humor y juego escénico entendido por todos.
Avestruces, mejicanos, rusos, trompetas y una amplia variedad de estímulos y personajes que te mantienen la sorpresa.
Desde los cuatro años se puede disfrutar de este regalo teatro de la mano de la Compañía Otro Mambo-Los Quintana, conocidos por su particular sentido del humor para todos los públicos y sus parodias hilarantes.
Aprovechen y pasen una buena mañana de teatro en compañía de toda la familia. Porque Kermés significa una fiesta popular, al aire libre, con bailes, rifas, concursos, y esto es lo que manifiestan aunque con la comodidad de las butacas y de la climatización en uno de los míticos teatros madrileños.



Apunta: Coral Igualador







Ficha artística y técnica:
Autor y Director: David Quintana
Compañía:
Otro Mambo-Los Quintana
Escenografía:
Alessio Meloni
Diseño:
Sito Recuero
Coreografía:
Jose Pérez, Elsa Cabo
Arreglos musicales:
Darío Segui
Reparto: Fran Arráez, Zaida Díaz, Sergio Franco, Fernando Castro, Nataliya Andru, Mónica Sade.
Compañía: Los Quintana



Del 21 de noviembre de 2015 hasta el 10 de enero de 2016
Sábados y Domingos –12:30 h en el Nuevo Teatro Alcalá


SALVAJES COMO LOS CABALLOS DE PRZEWALSKI

Foto: Lismi Munoz
Señoras y señores, tomen asiento, hidrátense bien porque llega la hora de bailar en Matadero (Naves del Español) de la mano de Alberto Velasco y su tropa de hombres y mujeres fantásticos.
Danzad malditos, una versión libérrima de la peli del mismo nombre, nos remite a un lugar que queda a medio camino entre la realidad y la ficción, un juego de convenciones que el espectador tiene que asumir si quiere bailar al ritmo que se marca en esta obra. Lo primero que sorprende es la propuesta escénica un escenario que es y no es a la vez varias cosas: una casa derruida que emerge o se sumerge en las profundidades; un pista de tierra: un circo o un ruedo con una serie de objetos dispuestos fenomenológicamente, es decir, objetos que adornan la pista de baile y que son solo lo que ves de ellos, lo que aparece ante nuestros ojos, lo que aparentan. Las cosas son lo que son, igual que los actores que bailan. Un grupo de grandes profesionales que se muestran sin tapujos, que nos ofrecen sus cuerpos, sus voces, su resistencia y su debilidad sin ocultarse. Esto es sin duda, lo que más impresiona de la obra, la libertad que muestra cada uno de ser uno mismo. Son fenómenos, en todos los sentidos. 
Foto: Lismi Muñoz
Lo segundo a destacar, es la caracterización de los personajes. Sin desvelar mucho, que aún queda unas funciones antes de que vayan «con la música a otra parte», los seres que vemos en la pista de baile nos dan también su cara más animal, más salvaje. 
El maestro de ceremonias, un Rulo Pardo domador de bestias, saca al ruedo a un grupo de caballos pura sangre que bailan, como lo harían los caballos de alta doma, pero aquí no por estética, sino por la urgencia que les impone el ritmo de la necesidad. Aquí la belleza la ponen aquellos seres que en la sociedad no están destinados a gozar de ella. Toda una lección.
Lo tercero, cómo se estructura la historia. Cada día se ve una función distinta. Cada día es una pareja la que resulta vencedora, pero resulta que aquí es el azar, y no el baile, lo que resuelve la acción. Y eso resulta un tanto injusto. A los que hemos disfrutado de la obra nos gusta ver bailar a los actores, nos gusta ver esa lucha y no queremos que nada, ni siquiera la palabra, interrumpa el ritmo que les impone la música.
Al final debería pasar lo que sucede en todo concurso: que muchos pierden y solo un gana, pero aquí, la victoria va más allá del premio, aquí la victoria salta, como un caballo de Przewalski más allá de los límites del teatro. Aquí la victoria es otra, aquí la lucha es por la belleza de lo cotidiano, por la reivindicación de la necesidad de ser lo que uno es. En definitiva, aquí la lucha es por la vida.
Así que dancemos, dancemos salvajemente al ritmo de la música hasta caer rendidos. Y el último… que le dé la vuelta al disco.

Más fotos aquí.

Desde el 25 de noviembre 2015 al 13 de diciembre 2015. Sala Max Aub. NAVES DEL ESPAÑOL. De martes a sábado a las 20.30 h. y domingos a las 19.30 h.



Apunta: Conchita Piña









Ficha artística y técnica:

Dirección: Alberto Velasco
Actores: Guillermo Barrientos Carmen del Conde Karmen Garay Jose Luis Ferrer Rubén Frías Ignacio Mateos Nuria López Sara Parbole Txabi Pérez Rulo Pardo Sam Slade Ana Telenti Verónica Ronda Alberto Frías
Iluminación: David Picazo
Vestuario: Sara Sánchez de la Morena

Escenografía: Alessio Meloni 

EL ARTE DE VIVIR LA VIDA

Foto de la obra
Nunca me gustó el término «autoayuda» por aquello de que, al final, siempre te ayudas con ayuda de otros. No veo qué te puede ayudar seguir órdenes o consejos sin saber por qué, sin un aprendizaje, sin ton ni son. Es por todo esto que no he leído nunca libros de esta temática; salvo a Rafael Santandreu ─psicólogo especializado en ayudar a las personas a desarrollar su fortaleza emocional a través de la terapia cognitiva─. Santandreu, a través de las historias de muchos de sus pacientes, de muchas de las historias reales con las que se ha ido cruzando, nos muestra en sus libros cómo se puede conseguir dejar atrás traumas, obsesiones y miedos, mediante el aprendizaje de los mecanismos para fortalecer la mente ejercitándola diariamente como una rutina deportiva. A partir de ese aprendizaje ves que tu vida puede cambiar y te sientes mejor contigo mismo, más fuerte para afrontar el conjunto de la vida, de tu vida.
Tino Antelo se apoya en los libros de Rafael Santandreu para crear un monólogo, Gozazo, para una supermujer que apuesta por vivir con todos sus miedos, con todos sus traumas, con todas sus mañanas, con los días grises y los soleados, con los recuerdos tristes y los preciosos. Ha creado un monólogo vital, con retazos de tristes posibilidades que ayudan a la protagonista a caminar, siempre hacía delante, con toda ella, con todo lo que la rodea y con una sonrisa siempre. Victoria Zazo, grande desde el minuto uno, nos abre las puertas, de manera sorprendente y nos invita a descubrir un mundo en el que ella puede ser cualquiera de nosotros. Habla desde sus adentros para convencerse; nos mira a los ojos, de verdad, y nos habla desde sí para llevarnos a su universo, para contarnos las historias que la rodean, para hablarnos de los complejos y las creencias irracionales que nos llevan a superexigirnos, de la «terribilitis», de la «bastantidad», de las «necesititis» ─términos que hacen referencia a los libros de Santandreu y se dejan vislumbrar en el monólogo─.
Victoria Zazo hace grande el monólogo con su interpretación. La dicción, a veces atropellada como los pensamientos, es perfecta; su voz no cae en vacío ni cuando habla ni cuando canta ─lírica perfección─, su cuerpo llena el escenario, lleno solo de ella. No hay nada que pueda interrumpir la atención en su discurso. Ella pasea su expresividad por delante de tu cara y te envuelve en un halo placentero; te hace reír, a carcajadas. Aplausos.
Gozazo es la palabra que mejor define la creación escénica de Tino Antelo. Gozazo es lo que se siente mientras estás disfrutando del monólogo y magistral interpretación de Victoria Zazo. Gozazo es verte reflejado en algún momento; es ver muchos de tus pensamientos volando por la escena; es ver lo que cuesta ver por miedo. Gozazo es el jarro de agua fría y la inyección de adrenalina; es la vida misma sin tapujos, sin dobleces, sin filtros; es la risa espontánea, la nerviosa, la miedosa; es el placer de querer vivir la vida en contraposición con dejarla pasar y desgastarla sin tocarla. Gozazo es una puerta abierta a gozar de lo que somos, donde estemos; a reírse siempre de uno y con uno mismo. Es el ansia de vivir y aprender a vivir la vida.
Apenas nada hay de escenografía cuatro detalles bien puestos y mucha imaginación. Los diseños de la iluminación basada en claroscuros, la música original divertida, ácida y atrayente y el vestuario sencillo y elegante se merecen otro aplauso.
No todo el mundo puede expresar tanto en un texto ni transmitir tanto en un escenario. Si lo que necesitas antes de cerrar este capítulo, este año, es un respirar hondo y gritar aún tienes la oportunidad de ver la sonrisa de la bella Zazo los domingos a las 20h hasta el 27 de diciembre en El Umbral De Primavera.


«La vida te depara miles de posibilidades positivas si abres tu mente a ello». Rafael Santandreu


Apunta: Vir Casanova







Ficha artística y técnica:

INTÉRPRETE: Victoria Zazo
AUTOR Y DIRECCIÓN: Tino Antelo
MÚSICA ORIGINAL: Mauri Corretjé
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Lola Barroso
DISEÑO DE VESTUARIO: Ulises Mérida
DISEÑO DE CARTEL Y ESCENOGRAFRÍA: Marcos Moreno Pons
FOTOGRAFÍA: Laura Enrech
PRODUCCIÓN: Miércoles 14