ARIADNA EN SU LABERINTO

Cartel de la obra
Qué gusto da ver obras tan bonitas; aún con todo su drama, con toda su dosis de hiperrealidad de tocarte la fibra, aún con todo eso, se puede decir bonita de ver, de sentir, de disfrutar. Qué hermosas son esas obras que te sacan a la calle con los sentimientos trastocados, con los ojillos temblones de la emoción y con el pechete aún henchido de aguantar la respiración. Esto nos ha pasado con la llegada a la escena madrileña de la obra del prolífico autor Fernando J. López, Los amores diversos, un maravilloso texto interpretado bellísimamente por Rocío Vidal y dirigido con un gusto exquisito por Quino Falero. Y es que un equipo tan grande solo puede darnos una puesta en escena formidable. Una labor, por cierto, nada fácil por la complejidad que tiene un texto tan personal, tan de hablar solo entre tus propios fantasmas, de decir en alto las palabras acalladas por el miedo a ese dichoso enfrentamiento con tu propia realidad, con tu propio yo; ese miedo a ese rechazo ilógico por ser diferente, en comparación con no sabemos qué; por pensar y sentir diferente a un pensamiento estipulado. Es una labor nada fácil, también, por la complejidad en la ejecución e interpretación que tiene que llevar a cabo Rocío Vidal. Rocío trabaja su personaje de tal modo que evita que el dramatismo más álgido de algunas escenas no alcance ese grado desagradable de «pena mora», de martirismo exacerbado sin sentido. Y ha trabajado tan bien el personaje que no puedes ver nada más que a Ariadna. Esa Ariadna que se bate en un duelo dialéctico con la sombra de un padre recién muerto y a pocas horas de ser enterrado. Ella vuelve a esa isla de Naxos que es el despacho-biblioteca de ese padre con la excusa de buscar entre sus papeles y libros un retazo literario que leer en el funeral. Ariadna busca como excusa pero se encuentra con todo su pasado, ese pasado que está marcando significativamente todo su presente. Ese pasado subyugado, desde la cuna, a la inmensidad literaria de un padre engrandecido de pedantismo, transmisor silencioso de culpas propias, al que Ariadna le reprocha, ya tarde, y se enfrenta a su fantasma a través de la literatura; remueve, se sumerge, se arropa en los libros que ese padre obligó, por petulancia, a engullir, a asimilar sin un solo ápice de amor. Ariadna, a pesar de todo, le admiraba y le disculpaba. Y en esta noche trágica, Ariadna se ve empujada a un mar de letras que parece que le crean confusión, que no termina de asimilar. Se debate entre su ser, su estar ahora y su bienestar y, como si de un ave Fénix se tratara, resurge de entre sus cenizas y se entrega, sin más, a la vida encontrando la puerta de salida de este poético laberinto en el que su padre, ahora muerto, la sumergió.
Ariadna te descubrirá el sentido de Los amores diversos en el Off del Teatro Lara todos los lunes a las 20:15h.
Y si te gusta mucho la función, puedes comprar el texto, editado Antígona.

«La vida no trata de encontrarte a ti mismo, la vida trata de crearte a ti mismo». George Bernard Shaw


Apunta: Vir Casanova







Intérprete: Rocío Vidal
Voz en Off: Ángel Amorós
Escenografía y Vestuario: Mónica Boromello
Iluminación: Cía. De la Luz (Daniel Alcaraz / Libe Aramburuzabala)
Espacio Sonoro: Mariano Marín
Diseño Gráfico y Fotografía: Zandizant
Prensa y Comunicación: Josi Cortés Comunicación
Distribución: Mara Bonilla
Producción: Rocío Vidal
Autor: Fernando J. López

Dirección: Quino Falero

¿QUIÉN ES QUIÉN?

cartel de la obra
La vida es un juego fascinante. Si vives tienes que jugar. Unos juegan a vivir sus vidas, otros a desear vidas ajenas y otros a vivir como si fueran otras personas. Y en este juego se adentran los personajes de Vecinos, una joven pareja formada por Silvia y Jerónimo que vive en un edificio de mucho más nivel del que pueden permitirse. Juegan a vivir siempre anhelando ser como sus vecinos de enfrente, Elena y Alberto, ricachones, guapos y de vidas envidiables ─según Silvia y Jero─. Toda su preocupación es admirarles y parecerse a ellos. Cuando Elena y Alberto deciden marcharse de vacaciones, dejan a nuestra joven pareja las llaves de su apartamento para que den de comer a una gata ─que nunca ven─ y suban y bajen persianas. Desde ese día, poco a poco, sus vidas sufren un cambio; comienzan a sentirse más unidos, se atraen más, son más felices y todo porque ahora sus vidas son las de otros, o eso parece.
Alejandro Butrón y Andrés Galán han escrito esta obra, Vecinos, basándose en el relato de mismo nombre de Raymond Carver. Del mismo modo que en el relato de Carver, el voyerismo es uno de los temas principales aunque Alejandro y Andrés agregan más temas haciendo que los personajes, además de fisgar en las vidas ajenas, se sientan mejor con ellos mismos y entre ellos con la suplantación. Así de primeras, el tema resulta muy interesante porque parece querer tocar puntos importantes como el voyerismo, la atracción física pero, sobre todo, la envidia de unas personas con sus vecinos, la suplantación enfermiza de la personalidad, el consumismo nada moderado de bienes innecesarios por el hecho solo de consumir para salir del aburrido mundo de la pareja con aspiraciones banales… Sin embargo, el texto deja en el aire algunas cuestiones abiertas al público durante la representación; deja entrever intrigas referentes a los vecinos, intrigas que, de algún modo, parece dejar al espectador sobre aviso de algo que, finalmente, no se resuelve y, por tanto, las intrigas se quedan abiertas, sin solución.
Los personajes, interpretados muy correcta y acertadamente por Paula Grueso (Silvia) y Alejandro Butrón (Jerónimo), tienen la ardua tarea de desdoblar sus personajes ya no solo en dos, sino en tres cada uno, y cambiar el género, efecto que hacen con mucha agilidad y destreza.
Tener Vecinos como estos no parece algo fascinante. Casi mejor que los veas desde la grada en el Teatro La puerta estrecha todos los jueves de abril a las 20:30h.

«Somos temerosos de lo que nos hace diferentes». Anne Rice

Apunta: Vir Casanova

FICHA ARTÍSTCA Y TÉCNICA
Intérpretes: Alejandro Butrón y Paula Grueso
Dirección: Nacho León
Dramaturgia: Alejandro Butrón y Andrés Galán
Producción: L’Azotea Teatro
Prensa: Esther Sererols
Diseño de Cartel: Juan José Melero
Diseño de Luces: Paula Grueso

Iluminación y Sonido: Iosune Noguera

ABRIENDO PUERTAS

Cartel de la obra
En un mundo donde todo parece haberse agotado, donde solo tu número de serie te identifica, donde vives encerrado en un habitáculo para trabajar como un esclavo, donde hablar lo que sientes o piensas está prohibido, solo puedes optar a jugar a perder el miedo. David Huertas ha creado un mundo ficticio, nada ajeno a nuestro conocimiento; ha creado un mundo cualquiera con tintes de ordeno y mando totalitario en el que los protagonistas, Una y Otro se encuentran por casualidad compartiendo una noche que les cambiará la vida por completo. Una (Aloma Romero) y Otro (Daniel Jumillas) no son más que dos números dentro de su centro de trabajo ─a algunos ya les está sonando esto a muy cercano…─ Una llega de improviso una noche al habitáculo de Otro; intenta entablar conversación pero Otro lleva mucho tiempo solo, trabajando, sin pensar en nada más. Una es ambiciosa y quiere avanzar. Una mueve todas sus piezas para que poco a poco Otro juegue a su juego de arriesgar, al juego de no tener miedo, al juego de improvisar saltarse las reglas marcadas. Y así, esa noche no será una noche cualquiera.
El miedo es un sentimiento muy apegado al ser humano, es un sentimiento que paraliza, que se acopla en tu mente y en tu espíritu imposibilitando cualquier acción, impidiendo cualquier libertad de pensamiento o expresión del mismo. No hay nada más práctico para cualquier amo y señor ─en cualquier ámbito─ que tener a su redil acobardado y atrapado en el miedo. ¿Pero que pasa cuando se pierde ese miedo y se empiezan a proyectar ilusiones, a sentir en voz alta, a experimentar en actos libres? Nunca nada más liberador que perder el miedo; nunca nada más liberador que perder el miedo a uno mismo.
Aloma Romero y Daniel Jumillas hacen de sus personajes seres especiales, seres de verdad, seres con sentimientos encontrados que a ratos odias y a ratos se dejan querer. Ambos se dejan la piel arropados por una escenografía de extraños pero efectivos elementos que se mueven con los personajes por toda la escena. Catres, cubetas de agua, cajas de cartón, columnas metálicas que simulan puertas gigantes de hierro pesado, luces de neón y oscuridad, mucha oscuridad que posibilita la acción de la transformación en seres propios. Un espacio sonoro conseguido con los efectos de apertura de puertas, sirenas, y silencio ensordecedor que acelera el corazón.

Una experiencia que no te dejará indiferente. Una experiencia contemporánea y con mucha actualidad. Una y Otro te esperan todos los miércoles a las 20:30h hasta finales de abril, de momento. Están llenando así que pierde el miedo y acércate a experimentar a Nave 73.



Apunta: Vir Casanova







Ficha artística y técnica
TEXTO Y DIRECCIÓN: David Huertas
ELENCO: Aloma Romero y Daniel Jumillas
PRODUCCIÓN: Susana Moreno
DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Miguel Ángel Ruz Velasco
VESTUARIO: Javier Egido
ESCENOGRAFÍA: Teatro Cruzado
VIDEO: Illán Garrido

MAKING OFF: Noe Guimare

SI TÚ ME DICE «OFF», LO DEJO TODO

Cartel de la obra
Off es la obra de Marcos Fernández Alonso que habla de Daniel, un triste profesor de literatura de 39 años al que le hubiera gustado seguir su carrera de actor. Su mujer, que sí la siguió y ahora rueda un film en Londres, le recomienda que se presente al casting de un antiguo compañero que monta una obra en una sala off. Daniel consigue el papel y, a partir de ahí, comienza una nueva vida marcada por una visión renovada de todo lo que le rodea. Daniel abre los ojos y se deja seducir por las nuevas perspectivas que se le presentan. Daniel se redescubre a sí mismo y, con ello, redescubre su entorno, su vida y a los demás.
Marcos Fernández Alonso ha dibujado una historia sencilla, con mucha pretensión, con mucho que decir y contar y, sobre todo, muy tierna y divertida. Ha decidido homenajear a todas aquellas personas que componen este maravilloso mundo del teatro, a las salas y pequeños teatros que luchan cada día por salir adelante en una actualidad tan complicada, a todos los que abandonaron y se quedaron en el camino, a los que se arriesgan... Su historia no solo es una historia metateatral sino que es también un encuentro de sentimientos diversos, de formas de entender las relaciones, de las posibles visiones del amor y su juego. Es una historia pasional poblada de realidades, de cotidianidad, de sentimientos encontrados, Es una historia, de cualquier forma, abocada a un final feliz.
Los actores ─espléndidos todos en sus papeles─ dejan fluir a sus personajes por cada rincón del escenario. Se desdoblan en varias caracterizaciones, según la escena, bajo una bonita y práctica escenografía de rincones dibujados. Así, lo que antes fue camerino, ahora es aula del instituto, teatro, salón o bar. Cada espacio se ve alterado por un juego de luces moderado o extremado según convenga.
Descubrir quién eres, qué quieres y qué vas a hacer no es fácil pero es tan necesario…Daniel te ayuda en Teatro Nuev9 Norte hasta el 2 de junio todos los viernes a las 20h y 22h; a partir de abril también los jueves a las 20h.

«Los peligros de la vida son infinitos, y entre ellos está la seguridad». Goethe


Apunta: Vir Casanova






Ficha artística y técnica:

Elenco: Antonio Romero, Nagore Germes Alfaro, Mónica Caballero, María Segalerva y Marcos Alonso
Autor y Dirección: Marcos Fernández Alonso
Producción: Materialmente Imposible y Nueve Norte
Diseño de Luces: Juanjo Hernández
Escenografía y Vestuario: Itziar Hernando
Diseño Gráfico: Alessandro Talarico


¡¡QUE NO ME QUITEN LO BAILAO!!

Cartel de la obra
Greta acaba de terminar su relación con Albert, su pareja desde hace diez años. Se siente perdida, aturdida, triste, furiosa, culpable pero también esperanzadora, luchadora… En el transcurso de una noche Greta intenta salir adelante, progresar, en su afán sanador, diciendo en alto lo que siente. Es una noche donde Greta se reconciliará con ella misma y tomará conciencia de su autonomía personal y vital. Bailará, golpeará cojines en el aire, hablará con sus sombras, se desesperará y todo ello junto a su melón.
María Miguel de una forma muy natural nos sumerge en el mundo de Greta a través del sentimiento más universal, deseado y mal usado de todos los tiempos: el amor. Nos trasporta en flash back a puntos clave de su relación. A las confusas conversaciones donde la imaginación y las ideas preconcebidas se apoderan de su mente haciéndole crear autoengaños más destructivos que curativos.
Absolutamente todos, en mayor o menor medida, hemos superado, al menos, una ruptura sentimental (del género que sea). Todos hemos pasado noches en vela intentado descubrir, desde el minuto uno, qué es lo que ha podido pasar. Hemos comprobado cómo se apodera de nosotros un sentimiento de culpa mezclado con pena que es autodestructivo porque nos paraliza en la recuperación. Dicen que es mejor estar activa, hacer lo que más te guste, para que poco a poco ese sentimiento de pérdida vaya colocándose en las posiciones más alejadas de tu pensamiento. Greta redescubre bailar. Siempre le gustó y, por alguna razón, dejó de hacerlo. Quizá dejó de hacerlo por sus ideas preconcebidas, por su imaginación al pensar que a él no le gustaba (nada más lejos de la realidad). Lo que sí es cierto, es que dejó de hacerlo, lo hizo por él y eso es un error. ¿Pero él se lo pidió?
Toda la representación se centra en un espacio cerrado, en una habitación. En ese espacio recreará diferentes momentos vitales de su relación: un tren, un salón, una discoteca… Se mezclan imágenes proyectadas con música y sonidos bajo una luz nada intensa aderezada con fotos potentes en puntos clave de la representación.
Cuando ves esta obra, sobre todo, te das cuenta de los errores que comentemos con el pensamiento equivocado del amor, de lo que dejamos de hacer y de vivir por un sentimiento, casi siempre mal entendido. Greta, como nosotros, nos engañamos idealizando a las personas que se nos ponen delante, haciendo de ellas una mentira que un día descubrirás y te superará, cual realidad.

María Miguel y su equipo os esperan con su Amorodioamor de jueves a sábado a las 21h hasta el 12 de marzo en la Sala Cuarta Pared. No tardéis en conseguir entradas porque desde las últimas filas no se aprecia tan bien el enorme trabajo de María Miguel.

«El enamoramiento es un estado de miseria mental en que la vida de nuestra conciencia se estrecha, empobrece y paraliza.» José Ortega y Gasset.



Apunta:Vir Casanova








Ficha artística y técnica:

Compañía La Romería Producciones
Idea y Creación: María Miguel
Dirección: Coralia Ríos
Texto e Interpretación: María Miguel
Asesor de Dramaturgia: Juanma Romero
Iluminación: Jesús Almendro
Espacio Escénico y Visuales: Iván Arroyo
Espacio Sonoro: Iñaki Rubio
Vestuario: Berta Grasset y Esther Noriega
Ayudante de Producción: Iván Calderón
Fotografía: Antonio Martínez
Cartel: Paco Cavero


SU PASADO ME ACOMPAÑA

Cartel de la obra
Muy interesante propuesta la que nos deja Burka Teatro en Nave 73 los sábados de febrero por la tarde: La batalla ─Matrícula de Honor en el Máster de Creación Teatral de UC3M, dirigido por Juan Mayorga y Premio Especial José María Rodero 2015 del XVIII Certamen Nacional para Directoras de Escena, Ciudad de Torrejón─ escrita, dirigida e interpretada por Aranza Coello donde nos sumerge en una historia de emigración, de espera, de comprensión en busca del pasado. Pero no del pasado en sí de uno mismo, sino del pasado a través de la historia de la abuela. Esa abuela, como muchas otras, que recorrió kilómetros para estar al lado de su amor-marido fuera de su ciudad, de su país, de su familia hasta que este amor emigra de nuevo, solo, para buscar fortuna al otro lado del mundo dejando a esta abuela en una infinita espera en soledad. Aranza, en su texto, nos transmite la necesidad de saber, de encontrar los motivos por los que su abuela estuvo toda una vida dedicada a sacar adelante a sus cinco hijos esperando a que su marido volviera a las Islas (Canarias) a reencontrarse con ella. Aranza nos muestra la necesidad de reconstruir el pasado de su abuela para poder comprender el porqué de su depresión, de sus motivos para esperar incondicionalmente, de lo que de ella tiene en sí misma. Aranza nos adentra en una mágica conversación a tres bandas entre ella misma, su abuela y la legendaria Penélope de Homero ─como un enfrentamiento con los yoes internos, con las propias contradicciones interiores─ recomponiendo con los retazos de recuerdos, como si se tratase de una película, la historia de su abuela desde el día que conoció a su marido hasta los últimos recuerdos que Aranza tiene de ella.
Las actrices Aranza Coello, Pilar Duque e Irene Maquieira hacen una labor interpretativa bellísima. Se colocan en la piel de sus personajes tan naturalmente que facilitan la comprensión de un texto y una puesta en escena nada fácil. Hacen una danza poética entre presente y pasado onírico donde la realidad se confunde con la ficción creando un espacio atemporal en toda la representación marcado por los cambios en las tonalidades luminosas, jugando entre claros-oscuros y cálidos-fríos que determinan los saltos en el tiempo entre historia y realidad.
Una escenografía sencilla, nada recargada, basada principalmente en tres poyos de cartonaje que simulan asientos, imágenes de cartas, baúles, apoyaderos y que van de aquí para allá según la necesidad de las escenas. Del mismo modo el vestuario es sencillo, muy parecido en las tres actrices, con ese toque vaporoso hermanado con las escenas que aporta elegancia y comodidad.
Es bonito imaginar tu pasado, el pasado de tus antepasados pero si te pones a buscar, recuerda que puedes encontrar. Ahora sigue adelante encuentres lo que encuentres en La batalla todos los sábados de febrero a las 20h en Nave 73.

«La vida solo puede ser comprendida mirando hacia atrás, pero ha de ser vivida mirando hacia delante.» S.A. Kierkegaard




Apunta: Vir Casanova








Equipo Artístico
Actrices: Aranza Coello, Pilar Duque e Irene Maquieira.
Texto, Dirección y Espacio Escénico: Aranza Coello
Coreografías: Las Darlins
Asesoría coreográfica: Daniel Abreu
Iluminación: Miguel Ferrera
Escenografía: La Cartonería y Antonio del Valle
Vestuario: Yaiza Pinillos y Taller SC
Producción: Burka Teatro
Diseño Gráfico: La Fragua

Promoción Audiovisual: La Suite

ALEA IACTA EST

Cartel de la obra
Tres amigos, tres trastornos mentales y una terapia. Este es el punto de conexión para esta extraña amistad entre Javilo, César y Raúl. Un día cualquiera quedan en casa de Javilo, enfermo del páncreas a pocos meses de morir si no recibe un donante que le salve. César está dispuesto a convencer a Raúl ─ quien quiere suicidarse en menos de un año para evitar la decrepitud y la vejez ─ para que adelante su suicidio y así sea el donante del órgano vital para Javilo. Planteamiento servido. A partir de este punto, toda la obra se convierte en una serie de sorprendentes descubrimientos que alzarán el espectáculo al grado sumo de comedia. Temas como la soledad, el cariño y la falta de él, la vida, la muerte, el coraje, la mentira y, sobre todo, la amistad se encuentran a cada verso. Verso, sí; Patxo Tellería ha creado esta fantástica trama cómica en verso, para que no le falte de nada.
Comienza la función. Nos sorprende gratamente una escenografía fija, sencilla en la visual, pero de una estética oscura de mansión antigua y con una enorme practicidad. Una escenografía que parte la escena en tres estancias: la planta baja o salón donde se desarrolla casi toda el obra; una planta superior donde se ubican algunas de las escenas centrales de la obra y una zona ciega donde los actores salen de la escena. Un piano, alguna que otra silla y un juego de luces más tendentes a lo oscuro, dotando a la escena de ese aire misterioso, completan la original y elegante escenografía.
Aparecen los tres amigos presentando a sus personajes en un juego teatral de recorrido circular por el escenario, vestidos como si los hubieran sacado de un cuadro de Magritte ─ casualmente, Magritte murió de un cáncer de Páncreas en 1967 ─. No les falta detalle en el vestuario: traje, chaleco, abrigo, bombín y hasta un estiloso batín. Elegancia y, a la vez, comicidad.
Cada uno de los actores hace elogio de sus dotes teatrales llevando al público a su antojo por un mar de escenas cómicas nada fáciles por sus coreografiados movimientos. Hacen de la obra un suculento encuentro de nuestras propias contradicciones, de nuestros propios sentimientos, de nuestros propios miedos y de nuestras propias vergüenzas. Nos ponen en la tesitura del «¿y tú que harías?». Se transforman en César, Javilo y Raúl como si hubieran vivido en ellos toda su vida. Encuentran el punto justo entre la comicidad y el ridículo, haciendo que los personajes creen escenas totalmente absurdas, y eso les engrandece. Apuestan por una teatralidad exagerada, por aparentes gestos y engoladas frases acompañadas de canciones propias de un espectáculo de varietés que no hacen más que aumentar las risas del exigente pero agradecido público.
Es una suerte, una vez más, poder asistir a tan grandes eventos teatrales. Esos buenos; esos de los que sales con el pecho henchido, con las manos rojitas de aplaudir a unas actuaciones magníficas, a una dirección de escena (a cargo de Juan Carlos Rubio) limpia, elegante, rica en matices teatrales fuera de la simplicidad, a un equipo técnico que hace que las luces, la música y el sonido ambiental sean recordados y hasta nombrados en una conversación.
Tienes otra oportunidad de ver Páncreas en el Centro Dramático Nacional–Teatro Valle Inclán hasta el próximo 24 de enero de martes a sábado a las 19h y el domingo a las 18h. 
¡¡¡Pero date prisa que se agotan!!!

«Cada nuevo amigo que ganamos en la carrera de la vida nos perfecciona y enriquece más aún por lo que de nosotros mismos nos descubre, que por lo que de él mismo nos da.» Miguel de Unamuno.

Apunta: Vir Casanova










Ficha artística y técnica

Texto: Patxo Telleria
Dirección: Juan Carlos Rubio
Reparto: Fernando Cayo, Alfonso Lara y José Pedro Carrión.

Equipo Artístico
Escenografía: José Luis Raymond
Vestuario: María Luisa Ángel
Iluminación: José Manuel Guerra
Diseño de sonido: Sandra Vicente
Música Original y Espacio Sonoro: Miguel Linares
Asesor de Movimiento Corporal: Federico Barrios
Ayudantes de Dirección: Chus Martínez / Juanma Casero
Imagen: Malou Bergman
Diseño de Cartel: Isidro Ferrer
Fotos: Sergio Parra

Equipo Técnico
Construcción Escenografía: Mambo & Sfumato
Vestuario: Sastrería Cornejo
Asesoría: Abate Asesores
Transporte: Cultural Transport

Producción: Centro Dramático Nacional y Concha Busto Producción y Distribución

DESESPERANZADAMENTE

Cartel de la obra
La obra Las tres hermanas de Antón Chéjov se estrenó en Moscú en 1901 bajo la dirección de Stanislavski. A partir de entonces, muchas han sido las representaciones que se han hecho de este drama en cuatro actos en todo el mundo. La Compañía de Creación Escénica con dirección de Óscar Miranda lleva su versión de Tres Hermanas al escenario de El Umbral de Primavera.
La familia Prozorov habita en un pueblo de la Rusia profunda. Tras la muerte del patriarca, las tres hermanas y su hermano viven con el deseo de volver a su ciudad natal: la idealizada Moscú. Pasado el luto, la casa se vuelve a llenar con las visitas y todo parece alegría y esperanza en un futuro en la anhelada e idealizada Moscú. Pero la llegada a la casa de la prometida del hermano, Natasha, hace que una sombra se apodere de todos ellos. Poco a poco Natasha irá marcando y ganando terreno haciéndose con la casa y el total dominio de todo. La desesperanza se afinca en las hermanas que terminan por aceptar sus vidas tal y como están, dejando sus sueños y esperanzas de felicidad en el camino.
Óscar Miranda, director y adaptador del texto del clásico de Chéjov, ha conseguido una puesta en escena muy gustosa y lograda. Ha prescindido de algunos personajes que, realmente, no son primordiales para el desarrollo de la acción. Ha dirigido con mucho gusto un drama con una oscuridad que va en degradé. Para ello parece que en las escenas primeras la luz ilumina la escena con más brillo y calidez que en las escenas finales, donde la luz parece oscurecerse y enfriase ante el derrotismo que se cierne sobre los personajes de las tres hermanas por no lograr los sueños esperados.
Toda la función se ha basado en una escenografía sencilla con objetos muy del estilo de la obra que van de aquí para allá según pasan los actos. El vestuario también muy acorde con la historia deja ver ese poso de pueblo, de costumbres, tradiciones…
De los actores, todos muy en consonacia a sus personajes, tengo que destacar la labor actoral de las féminas de esta adaptación. Los papeles femeninos tienen un poder extraordinario en esta obra. Los personajes de las tres hermanas están brillantemente interpretados por las actrices Julia Soto (Masha), Amanda Solar (Olga) y Kensit Peris (Irina). Cada una de las actrices ha sabido destacar los pequeños detalles de cada una de las hermanas dejando que la vida pase por ellas, tal y como lo relata el mismo Chéjov. Sienten las vidas, sienten el amor, sienten la desesperación y la desesperanza final como si, verdaderamente fueran sus propias vidas. El trabajo de la vieja tata, Tina, y la odiosa Natasha, interpretados respectivamente por María José Pérez y Elena Candel, aún siendo sus personajes más exagerados que el resto, sus interpretaciones aportan dos puntos opuestos y a la vez dos formas de vida diferentes. Es por esta distinción por la que el personaje de Natasha es odioso en papel y, de la misma manera, en escena es repelente, estridente y detestable.

Un clásico es siempre un clásico, pero si tiene una buena dirección y un buen elenco de actores ese clásico se hace especial. No dejes la oportunidad de ver a La Compañía de Creación Escénica los sábados de enero a las 19:30h en El Umbral de Primavera.

«La felicidad no existe. Lo único que existe es el deseo de ser feliz». Antón Chéjov




Apunta: Vir Casanova (@Vir_casanova)







Ficha artística
ACTORES: JULIA SOTO, KENSIT PERIS, AMANDA SOLAR, ELENA CÁNDEL, MARÍA JOSÉ PÍREZ, NACHO AMADO, RUBÉN ORTEGA, TÁRIK HERVÁS, JAVIER MOLINA,
TEXTO: ANTÓN CHÉJOV
VERSIÓN Y DIRECCIÓN: ÓSCAR MIRANDA
AYUDANTE DE DIRECCIÓN: MARÍA TERESA GARCÍA ESTEBAN
DISEÑO GRÁFICO: DENISE DEL CARMEN
PRODUCCIÓN: AMANDA MARTÍN
ASESORA DE MOVIMIENTO: PALOMA SÁNCHEZ DE ANDRÉS
VESTUARIO: ARANTXA MARTÍNEZ DE LUCAS
COMPAÑÍA DE CREACIÓN ESCÉNICA


UN DULCE DE NAVIDAD: PARA TEÑIRNOS DE COLORES

Cartel de la obra
Color deseo y descubro color me siento y me desnudo color. Color sueño y color despierto.
Carmen Naranjo (Política y Escritora Costarricense)



La trama de este infantil, que más que teatro es un cuentacuentos interactivo, consiste en que Dulce se siente triste porque la dueña oscura de su pastelería no le deja poner color a sus creaciones culinarias.
La malvada monocolor vestida completamente de negro le ordena que los dulces solo pueden contener el color blanco y negro, nata y chocolate; Dulce quiere que la vida tenga diversidad de sabores y colores.
La joven pastelera busca la ayuda del público asistente para darle color a sus pasteles, tartas, galletas y otras delicias varias.
La actriz Nuria Saiz se transforma en los diferentes personajes que configuran este cuento navideño, a la vez que da voz a números musicales adaptados del ideario del pop español, lo que consigue que los adultos sepamos y tarareemos esas canciones. Aparece el hada estrella y hace «Chas, y aparece a tu lado». ¿Recuerdan?
Una actriz con manejo del público infantil, de sus necesidades y sus respuestas. Una actriz versátil y entregada a los niños y niñas. Y a Nuria, que encarna a los diferentes personajes con atractivos vestuarios, la acompaña una pantalla de plasma con la que interactúa para su relato teatralizado. El juglar cuentista del siglo XXI. Video casero y eficaz, un poco recuerdo de esos Teletubbies que manejaban la pantalla de su barriga.
Un atractivo para pequeños y mayores es que la sala tiene sillas y mesas y se pueden tomar algo durante la función. A los pequeñitos les agasajan con unas palomitas y al final ¡Una dulce sorpresa!

Apunta: Coral Igualador @coraligualador1








Ficha artística
Compañía: Expressarte,
Dirección, Texto, Actuación y Audiovisuales: Nuria Sáiz 


3 apuntadores
La Chocita del Loro Hotel Senator C/ Gran Vía, 70
Del 26 de diciembre al 4 de enero a las 13:00
Consultar en web del teatro

CRAZY CHRISTMAS SHOW!: EL LEO BASSI MÁS PEDAGÓGICO

Cartel de la obra
Esta avidez de adquirir bienes y posesiones para nosotros mismos y nuestros más cercanos amigos es invariable, perpetua, universal y directamente destructiva para la sociedad.
David Hume

Quizás el titulo pueda resultarles curioso. ¿Leo Bassi pedagógico? ¡Por supuesto! Ha creado un espectáculo familiar, por ende que mezcla a cualquier edad de manera real y eficaz, lleno de contenido reflexivo, cultural, educativo y sobre todo divertidísimo. Esta es su pedagogía, y funciona.
Laura Inclán y Lola Barroso le acompañan. La primera como actriz y cantante, que lo hace a las mil maravillas con un perfecto acento británico, y la segunda como duendecillo al teclado con la música en directo.
La famosa irreverencia del creador da paso a una interpretación necesaria y que ha adecuado a la perfección al público al que se dirige: un Papa Noel en huelga porque los niños ya no saben que hacer con tantos juguetes y han perdido el sentido del juego amontonado entre el colorido del consumismo.
Cualquier broma está llena de contenido, sin ser escandalosa, lejos de eso cuenta grandes verdades que deberíamos escuchar.
Y para poner mas guinda a su parte educativa, cantan villancicos en inglés, a los que podemos acceder todos porque dejan un libreto con las letras en cada mesa del teatro, para que entonemos sus conocidas letras junto con la lady inglesa que ha venido a rescatar el sueño de la Navidad.
También nos cuenta la historia real de la procedencia de Santa Claus, haciendo un claro alegato en contra de la violencia.
Leo Bassi sorprende. Huye de la ñoñería o de la historia fácil. Trata a mayores y pequeños como humanos inteligentes. Todo ello muy de agradecer, y puedo asegurarles también que las risas provenían de cualquier edad que estaba sentada en la sala.
Si conseguimos cambiar algunas cosas, Papa Noel seguirá repartiendo regalos, porque el pobre está cansado (y creo que los Reyes Magos también) de la estupidez humana.
Y Leo nos narra un final esperanzador, porque es Navidad y porque el cree en el amor sobre todas las cosas.

Apunta: Coral Igualador @coraligualador1







Ficha artística:
Dirección y Autor: Leo Bassi.
Interpretes: Leo Bassi, Laura Inclán y Lola Barroso.


Teatro Alfil C/ Pez, 10
Sábados 17:00
Consultar en web del teatro