ULISES PARA NIÑOS


Foto de la obra
Cuéntame, Musa, la historia del hombre de muchos senderos, que anduvo errante muy mucho después de Troya sagrada asolar.
La Odisea-Homero

Un gran acierto el de Marta Timón de adaptar a formato de teatro infantil los famosos viajes que hizo el Ulises para regresar a su querida Ítaca, porque no es necesario utilizar un lenguaje ñoño ni contar historias demasiado rocambolescas para que el público infantil se entretenga con la propuesta escénica. Una obra infantil que además de hacerte disfrutar del teatro, encierra toda la sabiduría de los clásicos.
El Ingenioso Ulises tiene esa mezcla de juego, implicación, aventura, humor y colorido que hace que los infantes se diviertan y además se enteren de una parte de la historia del famoso héroe y de los que le rodean: Homero, su poeta cuentacuentos cantor, Penélope, Telémaco, los monstruos y adversidades del camino…
Adultos y niños nos convertimos en parte de la tripulación que  acompaña a Ulises en su aventura. Un Ulises divertido, a veces bobo y ante todo héroe muy humano interpretado a la manera que engancha al público infantil por Juan Martín Gravina o Darío Frías junto con una compañera de viaje, María Kaltembacher, que lleva la voz cantante del narrador, del ciclope o de otros personajes que aparecen en los periplos del héroe y que le aporta dulzura y corporalidad a cada uno de ellos.
Lita Echevarría firma la escenografía y el vestuario, y en su sencillez el escenario se convierte en distintos lugares del viaje a través de los colores de la alegría, de la luz y del mediterráneo. Todo es alegre y vitalista.
Los monstruos que aparecen en esta Odisea se suavizan y se colorean para quitarle hierro al asunto, así como los atisbos de violencia de la obra original, porque nuestro Ulises sobre todo utiliza la cabeza para vencer los obstáculos que aparecen en su camino. Aprendizaje: el ingenio es lo mejor para conseguir las metas.
Y entre aprendizajes, narraciones, juegos con el cíclopes, vientos hermosos, alegría de color y otras sorpresas, nos divertimos en este viaje infantil con un timonel para todos los .çublicos.
s sobretodo utiliza s infantil con un timonel para todos los ura. original, porque nuestro Ulises sobretodo utiliza spúblicos.

Off de la Latina C/Mancebos, 4


Sábados y Domingos 11:30 h



Apunta: Coral Igualador




Ficha artística y técnica:

DIRECCIÓN: Marta Timón
INTÉRPRETES: María Kaltembacher, Darío Frías y Juan Martín Gravina
AUTOR- ADAPTACIÓN: Marta Timón (micro-adaptación del texto de Homero)
Fotografía: Jacobo Medrano
Diseño: Carlos Atanes
Escenografía y vestuario: Lita Echeverria

¡ZOMBIFÍCATE!

Expropiaciones, desahucios deuda externa, hipotecas impagadas... ¡Todo eso se ha acabado!
Eso es lo que nos proponen Pilar G. Almansa y Dolores Garayalde en Banqueros vs. zombis, una obra en la que el público participa activamente. Pero no os preocupéis, no tenéis que salir a escena, se participa con el móvil. Es una de las pocas obras a las que iréis en las que os pedirán que encendáis el móvil al empezar la función.
¿Y de qué va? Pues nos proponen la idea de que los países y la gente puedan pagar sus deudas convirtiéndose en zombis. Los zombis no comen, no se ponen enfermos, no gastan... ¡y pueden trabajar 24 horas al día, los siete días de la semana y sin necesidad de vacaciones! El Fondo Dinerario Internacional, la Troika y los Mercados están muy pero que muy contentos, por fin una solución para acabar con la crisis ―la de ahora y las venideras―. Ahí es donde entra el público, los espectadores son los mercados, las grandes empresas y corporaciones. Así, a través del móvil, es como los mercados-espectadores influencian en la economía mundial.
En escena solo vemos a tres actores cuyos personajes son los que controlan el Foro Mediterráneo para la Zombificación y las Finanzas (FMZF) pero en las pantallas del escenario aparecen más de 50 actores entre zombis, la Troika, reporteros y otros personajes. Entre estos actores hay nombres muy conocidos como Carlos Hipólito, Silvia Marsó, Pepe Viyuela o Carmen Mayordomo y Felipe Andrés a los que conocemos de los escenarios madrileños.
La verdad es que es una propuesta imaginativa, novedosa y original, en la que a veces, y esta es la pena, tienes que elegir entre el móvil o la acción que se desarrolla en escena.  Esto mismo hace que la escena no fluya con la naturalidad que debiera afectando al ritmo de la obra en algunos momentos. Pequeñas deudas que tiene que pagar la obra y que seguro que irán mejorando en cuanto avancen en el número de la funciones.


Apunta: Rubén Sintes




Ficha técnica y artística
Idea original de Pilar G. Almansa y Dolores Garayalde, también directoras, coescrita junto a Ignacio García May, e interpretada por Alberto Basas, Roberto Correcher y Dolores Garayalde. Con la colaboración de El Instituto del Cine y Truhko-LKM (La Kasa del Maquillaje).

MICROFUSIÓN EN MICROTEATRO

 Por junio del 2014 arrancó está propuesta para completar la programación de los martes en Microteatro  por Dinero: un coctel cuyas partes están constituidas por la escritura de microtextos cuyos autores pertenecen al sindicato de guionistas Alma, dirigidos por directores de trayectoria en Microteatro, los cuales seleccionan actores  de la plataforma digital Vibook.
En este mes, la programación en general de la sala gira entorno a la leyenda «Por listo» y de eso parecen que van estas cuatro mini historias. Ahora bien, hay que dejar volar mucho la imaginación para concluir que tratan sobre este tema, o quizás es que sea un juego más en el que el espectador se tiene que preguntar cuál es la propuesta común.
En sí misma la microfusión es una buena idea de colaboración para aunar fuerzas y experiencias, pero ardua tarea si el coctel no está compensado. Este es el caso, al menos en estas propuestas del mes de febrero, porque se aprecia o bien que la calidad de algunos de los actores seleccionados está muy por encima de la propuesta dramatúrgica o bien no está ajustado por la dirección.
Encontramos que en este país hay una buena cantera de actores y actrices, y que la microfusión es una lugar para dar visibilidad a sus trabajos, cuanto más si lo que interpretan no está definido y tienen que defenderlo con coraje porque tienen al público respirándoles en el cogote. Me niego a pensar que haya mala calidad de guionistas, y quiero achacarlo a que escribir algo redondo para un cuarto de hora, no es coser y cantar y que hay que tener mucho rodaje, técnica y soltura para no caer en la mera anécdota. En cuanto la dirección, es un tema aparte porque desconozco cómo se desarrolla el proceso de comunión entre lo textual, lo actoral y lo que se lleva a escena.
Las cuatro propuestas se definen como comedias, dos de ellas transpiran ese tono: Intelecplastia y Mainstreamonio. La primera una reflexión irónica sobre los complejos y su repercusión social, pero una reflexión algo repetitiva que no avanza; la segunda una sátira sobre «los modernos» y las crisis conyugales de los cuarentones (demasiada mezcla para el poco tiempo del que disponemos). Entre ellas destacamos a la actriz Laura Martín, que por supuesto no aparenta 40 años, pero que lo hace de maravilla.
El texto que firma Beltran Stingo en Fuera de serie está bien construido para su objetivo, aunque sea previsible, porque te mantiene la atención en un juego dialectico y actoral de la mano de  Juan Gravina y Silvia Vacas que lo defienden con dinamismo. Puede que sea el más redondo.
Con el titulo de Señora dos actrices hacen lo que pueden, y lo hacen con muchísima profesionalidad,  en una situación sin pies ni cabeza, que no es drama, ni comedia, pero que quizás alguien se vea reflejado. Eso sí, el casting está bien conseguido y Bárbara de Lema es el contrapunto perfecto para Marta Calabuig. Ellas juntas funcionan.

Entiendo que son tantas las propuestas y las variables de esta microfusión que es dificultoso el equilibrio, pero como decía Andrés Nin, político español de principios del siglo XX: «las situaciones de equilibrio inestable no pueden sostenerse durante mucho tiempo».

Todos los martes de Febrero y 3 de marzo de 20:00 a 22:15



 Apunta : Coral Igualador 




YO TE MATÉ Y FUE ENTRE EL APARTAMENTO y EL ESCONDITEATRO

Resulta curioso como es esta, nuestra ciudad artísticamente hablando, castigada en tantos sentidos y sin embargo donde no dejan de aparecer nuevos espacios dispuestos a continuar la lucha por el Arte y su supervivencia. Cuantas más trabas, impedimentos y autenticas  zancadillas a cualquier intento de actividad que no resulte lo suficientemente lucrativa para “los de arriba”, para esos que nunca deciden ayudarnos, pues más proliferan Salas por doquier, con lo que  nuestro mensaje hacia ellos es bien claro: señores políticos, por mucho empeño que pongan no lograrán nunca detener la creación artística y la necesidad de expresarla de las personas que la poblamos.
Quien aquí les escribe no ha podido reprimir comenzar así esta reseña, a colación lógicamente de nuestra primera visita hace bien poco a un nuevo espacio escénico, El APARTAMENTO, sito en el número 7 de la particularmente significativa Calle Génova. Para hablar con propiedad, más que espacio deberíamos decir multiespacio, estrenado en el  ya extinto 2014 y al que como siempre, desde les aquí deseamos toda la suerte del mundo y una larga y exitosa trayectoria en la cartelera de Madrid.
Lo de multiespacio no es un decir, ya que además de la Sala para 15 espectadores en la que estuvimos, cuentan con otra con capacidad para 50 personas en la que además de Teatro de mayor duración y  montaje, podrán disfrutar por ejemplo de música en directo. Y por si esto les parece poco, también en el mismo APARTAMENTO, pero en distintas estancias encontrarán desde librería con posibilidad de intercambio, talleres de artesanía, moda…
Con  bastante buen gusto a mi criterio en la decoración, consiguen crear una atmósfera cultural y un entorno de lujo para disfrutar de Teatro y otras actividades.

Yo te maté, la historia se desarrolla en una sala de recreo de lo que pensamos será un manicomio o una penitenciaria, con la protagonista dispuesta a comenzar una partida de ajedrez meticulosamente preparada que hará de lindo hilo conductor al desarrollo de la historia.
Este interesante micro, obra de Eva Moreno y dirigido por Jimena la Motta, cumple varias premisas necesarias para ser una inquietante historia con buenas dosis de suspense y de comedia.
Buen trabajo interpretativo de la propia Eva Moreno quién también lo protagoniza  junto con Alba García.
Resumiendo, y por no querer avanzarles nada más dada su duración de unos 15 min, una interesante historia, con diálogos por momentos hilarantes y que sustenta la propuesta escénica de la que disfrutamos. Si asisten presenciarán una historia de esas cuyo final queda abierto a más de una interpretación.
Aunque asistimos el último fin de semana de cartelera en EL APARTAMENTO, tras hablar con el equipo nos confirman que seguirán representado Yo te maté en otro espacio que ya conocemos bien como es El ESCONDITEATRO en la C/ Estudios, 2 de Madrid, así que les dejamos todos los datos de las funciones de febrero para que no se lo pierdan.

Apunta: Paco Mariezcurrena




Ficha artística y técnica
Título: YO TE MATÉ
Texto: Eva Moreno
Dirección: Jimena La Motta
Reparto: Eva Moreno y Jimena La Motta
Género: Comedia Psicológica
Duración: 15´ 
Del 6 al 27 de febrero

Viernes:  21:00 - 21:30 - 22:00 - 22:30

¡TÚ SÍ QUE PINTAS!

Hay veces que un tema aparece de forma continuada varias veces en un lapso de tiempo muy corto con distintas personas y en distintos sitios sin aparente relación. Eso me ha pasado a mí estos días con la figura de Albert Stern. Era un rico coleccionista de arte judío al que los nazis robaron su colección de «arte degenerado», como ellos llamaban a todo arte contemporáneo o que consideraran que no se ajustara a los ideales del movimiento nacionalsocialista.
El otro día hablaba con Nacho Martín Silva de un cuadro que presenta en la inminente edición de ARCO 2015. En él se ve una de las salas de la casa de Stern y dos de los cuadros que le confiscaron. Por ahí fue la conversación durante parte de la noche.
Al día siguiente tuve la ocasión de acercarme  al Teatro Fernán-Gómez CentroCultural de la Villa a ver Historia de un cuadro de Alfonso Zurro. Como indica el título es eso, la historia de un cuadro, pero contada a la inversa. Desde su final hasta el encargo del mismo. Así, al principio de la obra se habla de Stern, del «arte degenerado», de la destrucción de obras de arte a manos de los nazis... Todo lo que hablamos la velada anterior.
En la obra se nos habla de un cuadro de Doménico Theotocópuli, más conocido como El Greco, de su vida, de su obra, de la sociedad de la época, del arte y los artistas y de cómo ha ido cambiando la concepción de los mismos a lo largo de la historia. No quiero desvelar mucho más de la obra ya que tiene giros que no quiero desbaratar y que recomiendo ver desde el patio de butacas.
La Compañía Salvador Collado nos presenta una obra bien acabada, con un montaje que no desmerece ni entorpece en nada al texto y una escenografía y un vestuario a cargo de Curt Allen Willmer que nos van transportando de época en época de forma clara. La actuación es complicada ya que todos los actores representan distintos personajes, pero está resuelta por todos de una manera certera, muy bien dirigidos por Zurro. Nos gustó bastante la de José Manuel Seda, a quien ya vimos en el Español en el montaje de El encuentro, donde daba vida a Adolfo Suárez con muy buenas artes.
En definitiva una obra muy recomendable, para cerrar el año del El Greco, que no hay que dejar pasar por alto en este su último fin de semana, al igual que no hay que dejar de ver la pieza de Nacho Martín Silva en la Galería Jose de la Fuente en la feria ARCO a finales de mes.





Apunta: Rubén Sintes





Ficha técnica y artística:

Actores: Roberto Quintana, José Manuel Seda, Manolo Caro, Javier Centeno
Autor y Dramaturgia: Alfonso Zurro
Escenografía y vestuario: Curt Allen Willmer
Iluminación: Florencio Ortiz
Música y espacio sonoro: Jasio Velasco
Dirección Técnica: Carlos Merino, Pilar Dios
Diseño de Cartel: Manolo Cuervo 
Diseño Gráfico: Publike S.L.
Dirección Producción: Pablo Rubio
Producción: Salvador Collado
Dirección: Alfonso Zurro


MENTALISMO PARA SELECTOS

         La energía de la mente es la esencia de la vida
Aristóteles

El 23 de septiembre de 1928 se produjo en Madrid una gran tragedia: el incendio del Teatro Novedades situado en la calle Toledo, frente al mercado de la Cebada. Un enorme teatro con un aforo de alrededor de 1500 espectadores. Hubo más de 60 muertos y numerosos heridos.
El espectáculo del mentalista Pablo Raijenstein, Madrid fenómenos extraños, se basa en este suceso y se sitúa en el anticuario de la Calle Santa Ana, cuenta que era la antigua salida de los actores que sobrevivieron íntegramente al incendio, para dejar boquiabierto al público creando un ambiente mágico y de constante sorpresa.
Acertadísima propuesta dado el espacio, ya que de por sí Selectos Puraenvidia invita al recogimiento, a lo extraño y a las antiguas historias que recogen los objetos que lo habitan.
Pablo Raijenstein trabaja desde hace años como mentalista, esa disciplina que algunos defienden fuera del ilusionismo o de la magia por tener sus propios caminos de aprendizaje.
Pero Pablo no es un mentalista al uso, de hecho se denomina sui generis ya que dota a todos sus espectáculos de un cariz propio, envolviéndolo en diferentes historias que hacen que formen un todo teatral. Él hace del mentalismo una puesta en escena en toda regla, o de la puesta en escena un juego de mentalismo.
Hay diferentes formas en las que un adulto se adentra en una experiencia de mentalismo sobre todo cuando el espacio donde lo vive es tan íntimo como el de este espectáculo. En general la mente racional, esa que doblega al inconsciente y a la sensación, está demasiado presente: el no me lo creo, a ver si encuentro el truco, a mí no me la va a dar, yo no me voy a dejar… La soberbia de la razón. La desconfianza de lo que no podemos controlar.
El mentalismo que hace Pablo no es una cuestión de creencia, es un trabajo exquisitamente ejecutado, con la habilidad  que proporciona la técnica estudiada durante mucho tiempo tanto del ilusionismo como de todos los factores psicológicos que hacen que seamos libros de lectura para un mentalista.
Además tanto él como su acompañante Elvira, cuentan con un factor importantísimo: generan confianza.
Su mentalismo no tiene ni un ápice de soberbia. No sobrepasa los límites de quiero estar por encima de ti, porque soy capaz de jugar con tu miedo, tu desconcierto o tu mente como me dé la gana. Son cuidadosos y elegantes en la conducción del espectáculo, conjugando un equilibrio necesario para la comodidad de los asistentes.
El espectáculo Madrid fenómenos extraños es un experiencia, y así se vive. Porque cuando algo se vivencia, te remueve. Sobrepasa a los minutos que estas participando el acto: lo comentas a la salida, lo piensas durante mucho tiempo, lo cuentas a tus allegados, lo recomiendas con vehemencia, quieres repetirlo.
Eso engrandece al que genera ese tipo de entretenimiento porque sabe exactamente cuál es la medida de su trabajo.
Cuando contemplas a un buen mentalista en directo —y el maestro Raijenstein lo es— las barreras van cayendo más o menos rápido. Sería interesante adentrarse en este mundo rescatando la mentalidad del niño que fuimos, el que se deja invadir por la magia, y que con cada sensación que presentan en escena siente lo mismo que cuando abría un regalo el día de Reyes.
Pablo Raijenstein ha conseguido un regalo, para otros o para uno mismo. Una caja de sorpresas de las que no quiero revelarles nada. Un regalo hecho con mimo, envuelto en un papel distinguido, con una contenido asombroso y que contieneun aprendizaje interesante, al gusto de cada uno.


Selectos Puraenvidia C/Santa Ana, 6

Febrero viernes 22:00


Apunta Coral Igualador

¿HAY ALGUIEN AHÍ?

Las religiones han sido desde siempre cosa del pueblo llano, de los más desfavorecidos, de los menos ilustrados. Es para ellos para los que se crearon las religiones con el único fin de atemorizar, de mantener a la plebe en un estado catártico y obediente con las altas esferas político-sociales. Y como buenos ciudadanos profesaban y profesan la doctrina asignada sin contemplaciones ni vacilaciones. Así el efecto es de satisfacción y represión, al mismo tiempo. Los creyentes se sienten siempre en deuda con su Dios asignado. Es para Él todos los buenos deseos y todas las súplicas. Y como pago de sus tan altas glorias se les dedican múltiples oraciones, cantos y, sobre todo, la vida.
Jbara es una adolescente que vive con su familia en las montañas del Magreb destinada a servir a Dios —Alá— y al resto de la humanidad por el solo hecho de ser pobre. Jbara nos cuenta su historia —en flash-back— sus primeros encuentros sexuales con cualquier vecino para conseguir chucherías o comida, sus ansias de escapar a la gran ciudad, su huida forzada —repudiada por su familia— al quedarse embarazada, su dura llegada a la gran ciudad donde todo es completamente distinto a lo que ha vivido, sus múltiples trabajos como limpiadora, sirvienta, prostituta hasta que finalmente se convierte en la esposa reprimida de un Imán.
Arturo Turón ha adaptado y dirigido la obra Confesiones a Alá, de Saphia Azzeddine —joven escritora de origen marroquí— de manera sumamente elegante y nada distante al público. Ha depositado toda la responsabilidad de un complicado texto dramático con fuertes dosis de sensibilidad en una sobresaliente María Hervás que ejecuta su papel de Jbara transportándonos a ese mundo deprimido, a nuestros ojos occidentales, pero lleno de posibilidades para una niña sin ningún tipo de formación. María Hervás se transforma en árabe de los pies a la cabeza. Su dicción es clara, aún entonando sus frases con un marcado acento árabe que no pierde en ningún momento durante toda la representación. Con ello consigue que el público dude de si quien se encuentra relatando la historia es la verdadera niña-mujer venida del Magreb. El ejercicio interpretativo que María hace en escena es francamente abrumador. Deja boquiabierto el desparpajo con el que lleva a Jbara a relatarnos su vida a través de las confesiones a su único confidente: Alá. Le pide, le reprocha, le ama, se entrega en cuerpo y alma, duda… María pasa de niña a mujer, en segundos, cambiado el rol de forma magnífica. La sentimos como niña infantil, despreocupada, alegre y como se va convirtiendo en adulta buscando esa libertad engañosa que ofrece, a veces, el poder del dinero. María se mimetiza a la perfección en Jbara dotándola de una personalidad propia.
El escenario tiene pocos elementos decorativos pero el poder de la imaginación que nos transmite Jbara es suficiente para ver los diferentes elementos que lo componen en cada una de las escenas. Del mismo modo la iluminación, tenue en toda la representación, parece más brillante o más apagada según cada tramo del relato.

Confesiones a Alá está programada todos los miércoles a las 20:15h en el Off del Teatro Lara, de momento hasta el 25 de marzo.

Alá, si está ahí, escúchame.


   Apunta: Vir Casanova




Ficha artística y técnica:

Adaptación y Dirección: Arturo Turón
Actriz: María Hervás
Asistente de Dirección: Lydia Ruiz
Escenografía: Beatriz López
Relación de Escenografía: Eduardo Lasanta
Iluminación y Ambientación: Jon Corchera
Figurinista: Ana López Cobos
Regiduría: Rocío Pina
Sonido: Esteban Ruiz
Producción: Eva Marcelo
Prensa: Gran Vía Comunicación
Fotografía: Jael Levi
Diseño Gráfico: Cristina de Diego

Coreografía: Wanda Obreke

LA SINRAZÓN DE LA IMAGINACIÓN

Un cuento de invierno —título dado como alusión a los cuentos fantásticos que se contaban alrededor de una hoguera— es una de las tragicomedias gestadas por W. Shakespeare en su último periodo creativo y en la que todos los elementos nos llevan a rememorar las antiguas tragedias griegas. Shakespeare pone de manifiesto en su obra las calidades humanas de sus personajes así como los enredos propiciados por ilusiones, contradicciones y malentendidos. Una vez más, muestra hasta dónde puede llegar el género humano en sus actos cotidianos. Dónde quedan marcados los límites entre el bien y el mal en seres dementes, atravesados por la locura del amor posesivo y los celos infundados; cómo se encuentran los caminos de la misericordia de unos seres adormecidos bajo el yugo de seres implacables en sus insensatos actos. Los celos, el poder, el amor, el dolor y la crueldad son algunos de los temas que se vislumbran en esta extensa obra del autor inglés. Es una tragedia pero bañada por múltiples escenas intermedias de carácter cómico-pastoril.
SioSi Teatro produce Un cuento de invierno, su segundo montaje tras el exitoso Barrocamiento, de Fernando Sansegundo, y lo hace de la mano de Carlos Martínez-Abarca que versiona y dirige este clásico de la literatura poniendo en boca de ocho actores los casi veinte personajes que componen la obra. Lleva a cabo una dirección de escena cuidada y lograda, sobre todo, en algunas de las escenas en las que se crean decorados móviles con efectos visuales de gran calidad y punto dramático. No así el uso de audiovisuales a modo de programa televisivo en directo que no se llega a comprender muy bien en este montaje, chirriaba un poco.
Elabora un juego de luces que dota a las escenas del carácter que les corresponde en cada situación aunque la penumbra es una tónica general de casi toda la representación aportando, a veces, esa sensación de intriga, sospecha y locura.
Es una obra bastante larga —dos horas más o menos— y eso se acusa en algunas de las escenas cómicas donde las danzas, andanzas y cantos de los personajes se hacen un poco largos y con poco fundamento para el desarrollo de la obra. No obstante, quedan compensadas con las escenas propiamente trágicas donde el dramatismo, el sentimiento y la trama refuerzan la composición, gracias al buen trabajo interpretativo de los actores que componen el elenco. No puedo dejar de mencionar las magníficas actuaciones de Rocío Marín —Paulina— y Zaira Montes —Hermiona—. Interpretan con mucha naturalidad y prestancia; con una proyección vocal del texto de gran carácter y personalidad. Son papeles de suma importancia en la representación y así lo hacen ver. Todos los personajes visten con atuendos originales sin un estilo definido, ya que se mezclan la vanguardia, lo clásico y lo imaginario.
Un cuento de invierno estará en Nave 73 los sábados y domingos a las 19h hasta el próximo 22 de febrero.



Apunta: Vir Casanova




Ficha artística y técnica:
Versión y Dirección: Carlos Martínez-Abarca
Reparto: Luís Heras, David Lázaro, Paula Ruiz, Carlos Lorenzo, Rocío Marín, Zaira Montes, Óscar Ortiz, Carlos Jímenez-Alfaro
Ayudante de Dirección: Rebeka R. Guerrero
Iluminación: Sergio Balsera
Audiovisual: David Santos
Sonido: Enrique Chueca
Vestuario: Carmen, 17
Asesor de Movimiento: Edu Cárcamo
Máscaras y Utillería: Guillermo Campa
Cartel: Juan Tosina
Jefe de Producción: Carlos Romay
Producción: Siosi Teatro

El AMOR ES LA MEJOR MEDICINA

Cartel de la obra
Cuando hablamos de un musical lo primero que se nos viene a la cabeza es un montón de personajes, miles de canciones, una escenografía cambiante según el transcurso de las escenas, un vestuario con cuantiosos vestidos, pelucas, mucho maquillaje y una banda de música con todos los instrumentos imaginables. Pues el musical Mi, me, conmigo tiene todos estos ingredientes pero un poco más íntimo. Dos actores —aunque unos cuantos personajes más— tres músicos en la banda, unas 10 canciones —originales— y una única escenografía para toda la representación. Mi, me, conmigo es la historia de una doctora psiquiatra, Nadia, y su paciente, Xavi, que padece múltiple personalidad y vive acompañado de sus otros yoes —Don Claudio, Pablete y Adela—. Es la historia de una batalla por encontrar la mejor cura para Xavi —como ultimátum, tras diferentes fracasos con otros pacientes—. Es la historia de un amor como mejor remedio medicinal.
Con guión original y dirección de Jesús Sainz-Sebastián y música de Roberto Bazán, Candilejas Producciones nos presenta este musical en el Teatro Alfil. Una sencilla y divertida historia donde cada uno de los personajes se va descubriendo poco a poco para dejar ver que sus acciones, al final, siempre son buenas intenciones. Donde cada uno de ellos lucha por tener un ápice de existencia, un toque de realidad, para no quedar en el olvido. Un juego musical con grandes dosis de ternura y amor como método perfecto para mantener la ilusión viva y desechar toda perturbación que impide seguir adelante.
Los dos actores encargados de poner en marcha este juego en la habitación de un psiquiátrico expresan todas esas sensaciones con un gran sentido del humor y unas voces musicales exquisitas. No falta la risa como tampoco la delicadeza en los dramas personales.
Tres mujeres son las encargadas de deleitarnos con la música en directo. Forman parte de la escenografía y están presentes en toda la representación cual enfermeras del psiquiátrico. Interpretan músicas de todos los estilos musicales desde rock hasta soul o funk.

Mi, me, conmigo te sacude el corazón a ritmo de canción todos los jueves a las 20h hasta el 29 de enero y sábados a las 20h hasta el 28 de febrero.

Busca tus yoes interiores y déjales expresarse.




Apunta: Vir Casanova 




Ficha artística y técnica:
Guión y Dirección: Jesús Sanz-Sebastián
Composición y Arreglos: Roberto Bazán
Actores-Cantantes: Allende Blanco y Edu Tato
Banda: Isabel Noa, Maylin Johoy y Susan Santos
Jefa de Producción: Mercedes Sebastián
Escenografía: Alex Arce y Fernando Fernández

Diseño de Cartel: Javier Naval

A LOS CABALLITOS DE MAR LES GUSTA LA CARNE

Ya perfilaban maneras en el último espectáculo ideado por José Manuel Ramos, Electik Five Experience, que pudimos ver el otoño pasado en la misma sala. En aquella ocasión se centraba en el proceso de creación del artista, en sus fantasmas interiores, en la inspiración, las musas... Nos gustó. Si bien no era perfecto, estaba bien tratado y llegaba al público.
En esta ocasión la mano Yllana ha acabado de perfilar el espectáculo con su experiencia y buen hacer. Contando con los actores y bailarines del elenco anterior –José Manuel Ramos, Nayra Ortega, Javier Carballo y Soraya Sáinz, a los que se han sumado Camino Miñana y Javier Leal–, se pone en escena un cabaret que propone un viaje a la Luna, desde donde se ve desde fuera, sin prejuicios, el sexo y las distintas tendencias sexuales. En este viaje se mezclan música, danza, humor, artes plásticas, mapping, proyecciones... y todo ello coordinado con buen gusto y sin perder el ritmo y que te mantiene entretenido y con ganas de más en la butaca mientras tomas una copa –o una cerveza, o un refresco, o un vaso de agua si lo prefieres–.
En el escenario se nos van presentando distintos números al más puro estilo de un cabaret en el que los cuerpazos y cuerpazas lucen piel y habilidades y nos van contando las distintas historias que nos proponen.
Y es que, como dicen en la promo, «da igual que seas hetero, gay, lesbiana, bisexual, transexual o caballo de mar» este viaje a la Luna te hará disfrutar y pasar un muy buen rato, echarte unas risas, tomarte algo en un ambiente alegre en compañía de tu pareja o con un grupo de amigos. No os arrepentiréis.
¡Ah, y daros prisa! No dejéis que os lo cuenten, reservar ya vuestras entradas y prepararos a pasar un buen rato y disfrutar del erotismo de un viaje a la Luna.


Apunta: Rubén Sintes







Luna, The Show
Viernes 22:30

Dirección: Yllana
Idea original: José Manuel Ramos
Textos: Mónica Ramos
Actores: Camino Miñana, Javier Caraballo, Nayra Ortega, 
Soraya Sainz, José Manuel Ramos, Javier Leal
Iluminación: Xavier Choupart y Alberto Fdez. Roda
Sonido: Leonardo Lapeña
Vídeo y Mapping: Xavier Choupart y Leonardo Lapeña
Escenografía y Atrezzo: Fabián Gutiérrez
Coreografía: Javier Caraballo
Estilismo: Raúl Estrada
Maquillaje: Carmen Gª Arranz
Producción:José Manuel Ramos y Carlos Oviedo
Fotografía: Nacho Arjonilla
Diseño Gráfico: Pedro Resina